NEU! es una banda alemana exponente del llamado Krautrock, el cual definía aquel rock alemán de inicio de los 70's y dedicado totalmente al desarrollo de la tecnología dentro de la música, uso de sintetizadorese instrumentos electrónicamente activados o diseñados, capaces de reproducir o generar nuevos sonidos que puedan ser incluídos en su música, la cual era básicamente de corte engañosamente repetitivo y minimalista, mas adelante probaría ser mucho mas que eso. NEU! era un dúo de músicos formado en Alemania en 1971.

Previos.-
NEU! junto con algunas otras bandas alemanas deficieron el llamado "Krautrock" cuyo referente mas popular serían los también alemanse de Kraftwerk, pero NEU! en sus tres primeros discos definió realmente las bases de este sonido, minimalista, electrónicamente generado, con bases rítmicas y de percusión simples, pero con muchas variantes alrededor lo que le quitaba el factor monótono y repetitivo. Aqui hablamos del disco debut autotitulado de la banda editado en 1972, el cual incluye el llamado sonido "Motorik", el cual junta las palabras alemanas "motor" y "música" o "música para autopistas". Actualmente considerado una de las obras mas influyentes en generaciones posteriores de músics con tendencias progresivas o experimentales.

Disco.-


El "Motorik" es un metraje de tiempo muy simple 4/4 el cual marca el tiempo de toda la canción, acompañado por varias variantes de sonido que le quitan el carácter monótono. Un claro ejemplo de ello es "Hallo Gallo" que inicia el disco, un tema de casi 10 minutos el cual te mentiene muy entretenido durante toda su duración, aún sabiendo que no tiene variantes de metraje, simplemente magistral y toda una escuela para múdsicos como David Bowie, Brian Eno, Sonic Youth, Stereolab o Radiohead por solo mencionar algunos. Temática similar sería utilizada exitosamente por Krafwerk en su celebrado "Autobahn" de 1975.
"Sonderangebot" es música ambiental y atmosférica generada por teclads y efectos de estudio que luego sería la especialidad de Brian Eno. "Weissensee" es un poco mas de música ambiental pero con el agragado de mayor rango de instrumentos, batería humana, guitarra distorsionada, bajo electrónico acompañando a los ya familiares efectos de moogs y sintetizadores.

"I'm Gluck" es el penúltimo track lleno de feedbacks, distorsiones y efectos, junto con rel anterior tema podríamos llamarlos como "Krautrock progresivo" tan solo para intentar hacer mas didáctico mi punto de vista. El disco cierra con "Negativland" otro clásico de este disco, sonidos proto industriales se suman a los ya familiares instrumentos de la banda, dándole una real mezcla de rock industrial con toques progresivos. Es pertinente mencionar el cambio de ritmo de un acompañamiento mediotiempo ablusado a otro mas rápido y vibrante, usando como único medio de vínculo entre ambos tiempos, un sonido metálico industrial, muchos años adelantado a su época.

En suma estoy hablando de uno de esos discos que son reconocidos muchos años mas tarde de lo debido y que solo el tiempo ha podido dar la razón, influencial completamente, diseñó las pautas para toda una generación de músicos interesados en mas que pop de 3 minutos. Un disco definitvamente capital e interesante para escuchar y comprender todas las puertas que abría un sonido tan vanguardista para su época.

Si te interesó lo que acabas de leer, puedes descargarlo aquí. Si te gustó, por favor compra un disco original. Gracias.

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Banda de pop rock proveniente de Escocia, surge como proyecto del músico Johnny MacElhone, el cual ya había tocado con regular éxito en otras bandas de la escena local. Al poco tiempo consigue los servicios de Sharleen Spiteri, quien sería hasta ahora la vocalista de la banda, posteriormente MacElhone logra convocar otros músicos para las demas plazas. Las intenciones iniciales de la banda tal y como lo prueba su disco debut "Southside" de 1988, eran los de producir un rock con bastantes matices blues, intenciones que mantendrían en buena medida en los dos siguientes discos, pero con resultados bastante inferiores en ventas, lo que obligó a la banda a cambiar su propuesta a mediados de los 90's. Previos.- El cuarto disco de la banda es titulado "White on Blonde" y con un sonido mucho mas pop soul, se convierte en un gran éxito de ventas por toda Europa. El siguiente disco se tituló "The Hush" y tenía la misión de probar si el éxito de su disco previo solo había sido fortuna o si se trataba de una banda que ya había cambiado y que sabía donde quería llegar y como. Disco.- Después de lo leído ya estamos listos a creer que la banda ha cambiado, que las guitarras y las baterías ya pasaron a un segundo plano, donde los secuenciadores y los samplers ya han tomado posesión del sonido. Y lo que obtenemos es puro pop en el tema inicio del disco "In a lifetime". El hecho de llamarlo pop no es despectivo bajo ningún punto de vista, el pop también puede estar bien hecho, armonís bien trabajadas, la guitarra que solo marca el ritmo de la canción pero hace un buen trabajo, pertinentes cambios de ritmo y una melodía contagiosa y sensual a lo largo de los 4 minutos que dara la canción. "Tell me the answer" tiene el falsetto de Sharleen en un intento de sonar como Prince, lo cual considero negativamente perturbador, terminando de enterrar un tema olvidable. "Summer Son" llega para hacernos olvidar la canción previa, editado como single y uno de los Top 10 por toda Europa, marca su ritmo por las guitarras de Ally McErlaine, grandiosos vocales, ritmo creado para ser distribuído por todas las pistas de baile, pop rock en su mejor expresión, perfecta para ser tocada en vivo. Baja las revoluciones "Sunday Afternoon", la primera balada, en la cual la susurrante y sensual voz de Sharleen puede lucirse, los arreglos son soul y se trata de otra canción bastante cumplidora en nuestros atardeceres, diría que hasta relajante. "Move In" sigue los mismos acordes y tranquilamente pudo haber sido una suite continuación de la anterior canción. "When we are together" nos demuestra que a estas altura de la carrera la banda ya había dominado el arte de hacer efectivas y contagiosas canciones pop de 4 minutos ideales para ser difundidas en el verano europeo y llenar las pistas de baile y arenas durante las noches. La nueva balada de rigor para estos efectos se presenta con "Day After Day" la cual se adorna con sección de cuerdas para adecuar mejor el ambiente. Tal y como lo mencionamos, las habilidades melódicas de la banda y la voz de Sharleen se convierten en caldo de cultivo perfecto para una balada como esta, cumplidora. "Zero Zero" es un instrumental bien consumado, demostrando las habilidades de la banda en la producción de studio, loops, secuencias, samplers y demás efectos actuales. "Saint" se mueve en los acordes soul de otros temas y su ritmo es lento, bien pautado, mid tempo, sólidamente producido."Girl" es otro sólido tema pop, rasgueos de guitarra y riff de teclado que le dan un aire lounge. El penúltimo tema del disco guarda agradables sorpresas, "The Hush" como su título sugiere es un tema pausado, lounge nuevamente, con samples fácilmente ubicables durante toda la canción, pero que logran un efecto poco convencional, hipnotizante, relajante, especialmente en los coros, muy interesante, sonido muy estilizado, una de las joyas del disco, o la pieza principal. Sin embargo, aún tengo que comentar "The Day before I went away" que cierra el disco. En la misma vena de la canción previa, ese sonido bastante estilizado y con mucha clase que terminará por dejarnos el sabor de boca final con el disco, un poco de hip hop samples aunque muy sutiles felizmente, sonidos etéreos, inclusive ligeramente psicodélicos se reúnen aquí con muy felices resultados. En suma, tal y como recalcamos antes, Texas en 1999 era una banda que sabía que los tiempos habían cambiado y que si querían seguir en el negocio tenían que adecuar su propuesta, y llevaron su rock ablusado y pop-rock-disco-soul de The Hush. Dentro de ese contexto, el disco cumple con lo prometido, un buen rato, música alegre y con buen espíritu, varias baladas para ponernos nostálgicos en los atardeceres que nos quedan y en general, pop muy bien hecho, con categoría y bajo una sólida propuesta. La banda ya había hallado una nueva identidad y se sentían muy cómodos cn ella. Recomendable. Si les interesó lo que acaban de leer, aqui lo pueden bajar:

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Si les gustó, por favor compren un original, no contribuyan con la piratería. Saludos, Polo gallagher

Cuarteto británico formado a mediados de los años ochenta por Harriet Wheeler (voz), David Gavurin (guitarra), Paul Brindley (bajo) y Patrick Hannah en la batería, pero que recién podrían sacar su disco debut en 1989 titulado "Reading Writing and Arithmetic", para delicia del público y crítica especializada inglesa, que llegó a llamarlos los sucesores de "The Smiths", logrando muy rápidamente un contrato con el sello Geffen en los EEUU y con Parlophone en Inglaterra. Si pudiéramos intentar definir su sonido, podría intentar decir que una combinación de los Cocteau Twins por el sonido etéreo de la guitarra y la angelical voz de Harriet Wheeler, y con el ritmo y temática de las canciones de The Smiths.

Previos.-
Hacia 1997 la banda había editado dos discos (1989 y en 1992) y tomado un descanso de 5 años hasta que en 1997 editan "Static and Silence", con un sonido mas adulto, atrás había quedado el wave del disco debut, las melodías seguían siendo tan sólidas como siempre, la voz de Harriet encantadora a mas no poder, pero las guitarras acústicas con sonido barroco así como fuertemente influenciado por el folk y el uso de secciones de cuerdas para apoyo, le daba un matiz distinto a este disco, compuesto enteramente durante la ya iniciada vida familiar de Gavurin y Wheeler, que para ese entonces ya se había casado y tenían una hija.

Disco.-


El disco inicia con "Summertime", una perfecta y optimista canción pop, con todos los elementos y detalle en la instrumentación que es imposible pasarla por alto. Llegó al puesto 15 en los Estados Unidos. "Homeward" le sigue y contiene un marcado aire mucho mas folk y reflexivo en las letras, la cuidadosa instrumentación de guitarras y base rítmica le da mucha profundidad y riqueza a la canción, muy recomendable. "Folk song" es básicamente eso, una canción folk cantada por una dulce pero no melosa voz, una armoniosa continuación de la anterior canción, pero sin percusión y con sección de cuerdas. "She" retoma las guitarras y acelera ligeramente los tiempos pero mantiene el tono reflexivo de sus letras. Hasta este punto el disco se presenta muy sólido en estructura y cumple con el objetivo de dar a conocer al oyente la temática del album, cuando llegamos a una de las joyas sobresalientes del disco "When Im thinking about you", una perfecta y delicada canción de amor que logra lo que muchas no pueden, diferenciar la delgada línea entre sentimiento y cursilería. Una letra inteligente y melodías trabajadas pueden hacerlo y este es el caso.

"I can't wait" le sigue e introduce una sección de metales al sonido que en su mayoría sigue siendo dominado por ritmos acompasados por guitarras acústicas y una sólida base rítmica. "Cry" lleva al frente todo el lado melancólico, frágil pero convencido de su propuesta. Una balada con la banda en pleno acompañada de cuerdas y un riff de guitarra precioso, otro de los momentos sobresalientes del disco. "Another flavour" le añade ese componente rock que nunca está de mas, con un ritmo mas acelrado y un riff de guitarra presente como mantra en toda la canción es un interesante cambio de aire. "Leave this city" nos retorna donde estábamos antes, con otra dulce canción pop folk con una producción que realmente asombra por su aparente sencillez pero que esconde delicadamente capas de guitarras acústicas muy bien coordinadas. Una buena producción y mezcla debe hacernos escuchar en un disco a los verdaderos protagonistas de un disco y no centrarse en un solo aspecto, y la producción de este disco logra presentarnos a The Sundays como una banda. "Your eyes" añade percusión de congas a los elementos familiares del disco y le da un aire ligeramente mas coloquial al todo, acentuado por el pertinente solo de flauta.

"So much" devuelve las guitarras eléctricas y hasta un solo a los procedimientos, dándole un aire folk rock mas genérico y que sirve como preámbulo para el último tema del disco "Monochrome" que de alguna manera resume las cualidades ya resaltadas en previas canciones, y que te recuerda que muy al inicio la banda ya había definido el sonido y la propuesta, con esta canción no hace mas que hacértela recordar.

Hablamos de un disco con un sonido muy maduro, con una producción que interperta bien la sobriedad de su ejecución, que se apoya en elementos como las cuerdas y metales pero sin darles mas protagonismo del que merecen, con una voz que extraño y que a la fecha no ha tenido reemplazo y con una guitarra y sección rítmica al servicio de la banda y no en viceversa. En 1997 se retiraron por voluntad propia, para priorizar a la familia que estaban formando. Extraño a los Sundays y extraño otro disco como Static and Silence.

En este artículo hablamos de una de las bandas ícono del rock estadounidense: Aerosmith. Si bien la mayoría de miembros de la banda se conoció a fines de los setenta, no es sinó hasta 1973 en que pueden editar su disco debut, donde rápidamente dan a conocer sus credenciales de banda de rock and roll con mediano éxito. En 1975 llega su tercer disco y consagración a nivel mundial. La gente hablaba de los reemplazantes de los Rolling Stones, exageraban o no? veamos.

Previos.-
Tal y como mencionaba, en 1975 la banda ya había editado un par de discos y a causa de sus constantes giras, ya había conformado una importante cantidad de fans, sin embargo todavía no habían llegado a niveles masivos de popularidad que brinda la exposición en los medios. Ese año Steven Tyler (voz), Joe Perry (guitarra), Tom Hamilton (bajo), Joey Kramer (batería) y Brad Whitford (guitarra) grabaron el disco que cambió sus vidas.

Disco.-


La canción que le da nombre al disco inicia este trabajo, que se puede decir de una de las quintaesenciales canción de la historia del rock?, tiene todos los elementos que amamos, un riff irresistible, una base rítmica muy dinámica que no le pierde pisada a las pirotecnias guitarreras de Perry, y un vocalista que no se deja amilanar por tamaño acompañamiento. Aún se escucha con frecuencia en las radios de rock clásico y en sus conciertos. Y con razón. Uncle salty aparentemante nos baja las revoluciones, pero no se dejen engañar, el ritmo y el tiempo de la canción cancino en un primer momento, nos va envolviendo de a pocos, y antes de los dos minutos ya te encuentras cantando "uhh Its a sunny day outside my window...". Adam's apple tiene en el trabajo de la slide guitar a un gran aliado y nos devuelve a la vorágine de rock and roll que buscamos.
La cuarta canción del disco es "Walk this way". No hace falta mencionar el cross hecho con RUNDMC en los ochentas, no hace falta mencionar que tiene una cadencia funky infernal y para no caer rendidos a su ritmo y cadencia hay que estar muertos, y tampoco hace falta mencionar que tiene uno de los riffs de guitarra mas inspirados y sampleados de la historia. Mención aparte para el gran trabajo de Hamilton en el bajo, perfecto. El boggie retro rock de "Big ten inch record" es simplemente estupendo y jocoso. "Sweet emotion" es simplemente la canción de rock perfecta, nuevamente cada uno de los miembros de la banda tiene espacio para lucirse, condenándote a no poder sacar de tu cabeza nunca mas los riffs de esta canción. La fuga del tema, nos regala mas rock and roll que solo podía haberse hecho en los setentas. "No more no more" le sigue y no baja las revoluciones y nos hace seguir moviendo los pies al menos. Poca gente hace mención y los arreglos vocales de la banda, en esta canción el doubletracking vocal de Tyler la merece. "Round and round" tiene mezclados los tracks de batería para hacértelos escuchar como una explosión, imposible evitar hacer comparaciones con "When the levee breaks" de Led Zeppelin. El disco finaliza con "You see me crying", la primera de esas powerballads que convertirían esta banda años mas adelante en ese fantasma que deambula actualmente en las radios y mtv.

En suma, estamos hablando de un disco que tiene sus intenciones bastante claras, mucho rock and roll, mucha fuerza, esa misma que ahora extrañamos cada vez mas. Y seguro, yo también extraño a esta versión de Aerosmith. Muy recomendable.

Amigos, si les interesó lo que escribí, aqui le dejo el link para que puedan bajar el disco gratis. Si les gustó por favor compren un original. Gracias. Polo

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Las hermanas Ann y Nancy Wilson, estadounidenses de nacimiento, pero que debido q que lanzaron su carrera como Heart en Canada, se piensa que nacieron en dicho país, desarrollaron una temprana afición por la música uniéndose a bandas desde inicios de los años setenta. Sus principales influencias, tal y como se puede apreciar claramente en sus primeros discos, consistían en Led Zeppelin y su mixtura de rock pesado y folk en una misma melodía.

Previos.-
En 1975 y ya establecidas en Vancouver - Canadá, consiguen un contrato con la disquera Mushroom Records editando al año siguiente su disco debut "Dreamboat Annie".

Disco.-
"Magic Man" da inicio al disco con su irresistible midtempo y esa hipnotizante voz lujuriosa de Ann Wilson. El tiempo de la canción pertmite ver casi en forma transparente el preciso trabajo de la base rítmica, la cual corta y reinicia ritmos con milimétrica precisión. La diferencia en la canción la marca el cambio de tiempo que llega después de pequeños solos de guitarra y teclado, acompañados de los coros de las hermanas Wilson, dando la apariencia de que un extenso jam se viene, sin embarego, Nancy retoma pronto la estrofa principal y nos devuelve a la melodía principal para rematar la canción. Excelente, un clásico por donde se aprecie. "Dreamboat Annie (Fantasy child)" es una pequeña y delicada melodía acústica que nos sirve de puente para llegar a otro de los clásicos de este disco "Crazy on You", el cual no hace reparos en bajar las tonalidades para llegar 100% con rock que no pierde su esencia pero que podía ser tocado en la ya influyente FM de las radios.

"Soul of the sea" vuelve con el ambiental sonido del mar, relajante e hipnótico que se presta para acompañar las acústicas melodías de la canción, aunque esta vez acompañados de la banda completa, resultando una hermosa pieza folk. Insertan una melodía nueva a la mitad, la cual tiene mucho mas fuerza vocal pero permanece acústica para luego volver con el sonido del mar y la melodía inicial cerrando esta hermosa y pequeña suit. El reprise de "Dreamboat Annie" en una ligeramente distinta versión nos hace ver la gran influencia estética que las bandas de rock pesado y progresivo de los setenta tenía la banda. De todas maneras, la inclusión de un banjo en la melodía, de por sí hermosa, le da un plus a la canción y un adecuado final al lado "A" del disco en su original presentación como LP.

"White lightning and wine" inicia con sucias notas de rock en la guitarra eléctrica, un ritmo contagiante sirve de preludio para apreciar la potencia de la voz totalmente rockera y dominante de Ann Wilson. "I'll be your song" nos devuelve al mundo folk en el que habitan los gustos de esta banda, una preciosa canción con un coro que acompaña a seguirlo. Pero el fogón del campamento se apaga abruptamente por el poder de "Sing child" que retoma toda la influencia pesada Zeppelin y Jethro Tull de la banda, el mejor tema del disco junto con el de apertura. "How deep it goes" es otra melodía folk de transcurrir mas pausado, adornada de las armonías vocales de las hermanas, una pequeña sección de cuerdas y trabajo de piano. El disco cierra con "Dreamboat Annie (reprise)" ligeramente distinta a las dos versiones previas, manteniendo la melodía y los coros, pero con un piano mas prominente y trabajo de flauta traversa y cuerdas.

En suma, un muy auspicioso disco debut, lo mas parecido a un "filler" sería el último tema, pero está muy lejos de serlo ya que los arreglos son muy bien logrados. Entonces hablo de un disco redondo, con secciones folk y de guitarra pesada a lo largo de los 10 temas, sin perder de vista las armonías vocales e instrumentales de la banda. Muy recomendable.

Amigos, si les interesó lo que acaban de leer, entonces ahora pueden descargar grstis el disco. Si lesgustó lo que oyeron, por favor compren un original. Gracias. Polo.

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Considerado como uno de los genios de la música popular del siglo XX y fundador de la banda de rock mas importante de la historia, John Lennon siempre ha sido motivo de debate, sea por su visión política, sus contradicciones, su música, etcétera. En todo caso, en este blog solo importa su música, y es uno de sus discos mas nombrados del que me ocuparé ahora.

Previos.-
Los Beatles sacaron a la venta oficialmente su último disco en 1970, en ese mismo año Lennon debuta con su primer disco de "canciones" llamado "John Lennon/Plastic Ono Band" el cual era un desgarrador recuento de los momentos mas difíciles de su vida interpretado en un duro rock and roll. En 1971, edita "Imagine", donde si bien los tópicos son similares, la instrumentación y producción suaviza en buena medida las canciones, haciéndola mucho mas digerible para su difusión en los medios y su consumo por el público masivo.

Disco.-
"Imagine" es la primera canción, seguramente escuchada por buena parte del mundo, es básicamente una declaración utópica de paz y buenas intenciones hacia el mundo, acompañado de un piano y una sección de cuerdas. No es necesario ahondar mucho mas. "Crippled inside" y su contagioso folk/rock es una pieza mas interesante, con George Harrison tocando el dobro, lo cual le da el detalle que distingue la canción y le dá mucha vida. "Jealous Guy", compuesta en India en 1968 durante el retiro espiritual de los Beatles bajo el nombre de -Child of nature-, para este disco sufre algunos cambios sobretodo en la letra, balada de hermosa instrumentación e interpretación vocal de Lennon y su característico efecto doble vocal, el resultado es conmovedor y uno de los mejores momentos del artista.

Tratándose de John Lennon, en alguna parte del disco tenía que encontrarse la canción roquera de rigor, y llega en el blusero "It's so hard". Los acordes de guitarra bluseros, intercalados con la voz rasposa de Lennon y el saxo de King Curtis le dan la energía necesaria al tema. "I don't want to be a soldier mamma" es el manifesto político del album, evidentemente antibélico, tiene una musicalización con bastante trabajo de wall of sound (recordar que el coproductor era Phil Spector) con bastante eco y efectos psicodélicos, agresivos vocales que redondean un matiz en el disco, pero es bienvenido. "Gimme some truth", mas en la vena clásica de composición Lennon, en lo referido a los coros y estructura, coda de guitarra a lo largo de la canción, enérgicos acordes, muy buen solo de guitarra eléctrica cortesía de Harrison nuevamente.

"Oh my love" baja considerablemente las revoluciones, ya que es una delicada composición dedicada a Yoko Ono, piano, bajo, campanas tibetanas y una muy delicada guitarra acústica acompañan. "How do you sleep" es una serie de ataques a Paul Mccartney, ya que según Lennon, había sido atacado primero en referencias del álbum "Ram" de Paul. "How" es una de esas canciones en los que uno se queda preguntando: como rayos esta canción no se convirtió en otro clásico de Lennon??, tiene todos los elementos, delicada instrumentación, estructuras fáciles de digerir, cuerdas que endulzan y suavizan el dolor del amor no compartido o de las privaciones que tuvo Lennon en su vida y con las que casi todos podemos identificarnos a nivel personal, etcétera. En suma, una muy buena canción, que no recibió mucha difusión, pero quizá así sea mejor. "Oh Yoko" cierra el disco y es una alegre canción, con guitarras acústicas como protagonistas y una oda a la felicidad que su amor por Yoko Ono le hacía sentir.

Como lo mencioné al inicio, un disco mas "digerible" en comparación con el previo, mucho mas cuidado en pulir el sonido y armonías, endulzarlo con cuerdas, que ayudó mucho a relanzar la carrera de Lennon en su momento. Pero cuidado, no vaya a creerse que por eso es un mal disco, tal y como han podido leer, la gran mayoría de las canciones están muy bien producidas y ejecutadas, la composición en general es brillante y contiene varios de los temas que eventualmente confirmarían el status de "Imagine", como uno de los discos capitales de la carrera de Lennon como solista y uno de los mas importantes de su década.

 Hola amigos,
estoy añadiendo una nueva característica a mi blog, para que puedan tener una experiencia mucho mas completa, además de leer el review ahora podrán escuchar el disco en su integridad. Si les gustó, por favor compren un disco original.
Aqui va el link:

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La banda se formó en Manchester, Inglaterra en 1982 liderados por Morrissey (Steven Patrick Morrissey) y Johnny Marr (John Maher), a pesar de que solo estuvieron activos como banda entre 1982 y 1987, se las ingeniaron para ser aún ahora una de las bandas mas influyentes de la historia del rock inglés y virtualmente responsables del britpop de inicios de los noventas.

PREVIOS.-
La banda venía de editar "The Queen is dead" con gran éxito tanto comercial como de críticas, pero problemas internos tanto entre miembros de la banda así como con su sello Rough Trade, tenían en incertibumbre permanente el futuro de la banda. Para el momento en que "Strangeways..." fue editado, la banda ya se había separado, sin embargo tuvo buena recepción en los medios y el público.

DISCO.-
Empezamos el disco con "A rush and a push and the land is ours", si bien los discos de los Smiths se han caracterizado por las ácidas letras de Morrissey y el uso de guitarras en su sonido, en este caso la canción es llevada por la melodía de la base rítmica por supuesto, mas los teclados le dan un aire ligero a esta canción de medio tiempo, pero sin la intervención de la guitarra. Definitivamente no mi primera elección para el inicio de un disco. "I started something I couldn't finish" le sigue y lo primero que escuchamos es el rasgueo bienvenido de Marr en su guitarra eléctrica brindando un sonido mucho mas fuerte a la canción, la cual seguiría a lo largo de toda su duración. "Death of a disco dancer" tiene su ritmo marcado prominentemente por el bajo, una suave y tierna performance vocal de Morrissey acompaña, asimismo el trabajo de batería en esta balada es remarcable, marcando los tiempos en forma adecuada. El tema sigue una marcha in-crescendo en los siguientes minutos acompañados por la banda en pleno mas trabajo de piano acentuado. Excelente canción. Ahora llegan los pegajosos coros y estribillos del single "Girlfriend in a coma", no perder de vista el trabajo de guitarra de Marr, no hay mucho que mas que decir en los demás dos minutos que le siguen.

"Stop me if you think you've heard this one before" tiene el sonido característico de los Smiths si es que han escuchado sus demás singles sabrán de lo que estoy hablando, particularmente no encuentro placer en el sonido de la batería demasiado ochentera de esta banda en su carrera (bueno, esta bien, eran los ochenta, pero no todos hacían lo mismo) y el solo de Marr al final es lo mejor del tema. "Last night I dreamt that somebody loved me" inicia con un par de minutos de acordes siniestros de piano con el fondo de ruidos ininteligibles que parecen sacados de alguna protesta callejera, que le dan paso a una emotiva, poderosa y excelente canción con la banda en pleno y Morrissey haciendo su mejor papel como vocero de una juventud inglesa desesperanzada de mitad de los ochenta. Excelente producción además que redondea una excelente canción. "Unhappy birthday" combina letras sobre muerte contrastándolo con un ritmo mucho mas alegre, no mucho mas que decir, suena a filler.

Imposible seguir mencionando un disco de esta banda sin hacer mayor mención de las letras, en el caso de "Paint a vulgar picture" se habla de la codicia extrema de los ejecutivos de las disqueras, que sin importar la muerte de su artista, no tienen mayores reparos en editar y re-re editar su catalogo en forma de "best of" o "greatest hits". Salvo el tema de la muerte, este se convirtió proféticamente en el caso de los Smiths, quienes han tenido mas cantidad de colecciones y recopilaciones que de discos originales, similar fenómeno se dá con otros grandes nombres de corta carrera como "Jimi Hendrix". Además, el trabajo de Marr es excelso, gran melodía, base rítmica que calza con la velocidad de la narración vocal, perfecto tema. Lamentablemete nos encontramos otro "filler" después de un gran cancion, es el turno de "Death at one's elbow", cuyas letras nos dicen muy muy poco, felizmente son solo dos minutos. "El disco finaliza con "I won't share you" delicadamente acompañada solo por guitarra acústica, un bajo eléctrico y las sentidas letras de Morrissey, un final digno.

No hablo de un disco perfecto encuentro hasta un par de temas que bajan el nivel del disco, pero no es un gran problema. En su mayoría tenemos grandes canciones de una banda que llegaba a su final habiendo madurado rápidamente en términos musicales, una buena producción y un disco que sin dificultades debería estar en todo aquel que desee entender la historia del pop inglés de los ochenta, porque este disco es uno de los mas importantes y logrados que se editaron por ese entonces.

Los hermanos Gallagher (Noel y Liam) son los únicos miembros de esta banda que han permanecido desde sus inicios en 1991, fuertemente influenciados por el rock de fines de los sesenta, Beatles, Hendrix, The Who, Neil Young entre otros, han sido protagonistas de una de las carreras mas problemáticas pero finalmente exitosas de los noventa.

PREVIOS.-
En 1999 la banda ya había editado tres discos, el último de ellos (Be Here now" en 1997, con muchas malas críticas por los excesos y autoindulgencia en su sonido. Al iniciar la producción de el disco de 1999 en Francia, dos de los miembros fundadores, el bajista y el guitarrista decidieron renunciar, por lo que sus partes debieron ser ejecutadas por Noel, quien además era co productor junto con Mark Stent.

DISCO.-
La instrumental "Fuckin' in the bushes" empieza el disco con un excelente riff de Noel, hace recordar al rock de los setentas, matizado con efectos electrónicos y samples, aún la usan para abrir sus conciertos. Seguidamente llega el primer single "Go let it out" con Liam en los vocales y solo una acústica en las líneas iniciales, pero a los pocos segundos la banda entera revienta con una línea de bajo muy marcada, está demás mencionar el gancho en los coros y la simpleza de la ejecución, pero hay que acotar el extremo cuidado que se aprecia en los detalles de la producción. "Who feels love" y su sonido indio-influenciado y melodía a dos voces (Noel - Liam) lleno de efectos electrónicos que acompañan el ritmo medio tiempo de este tema. Las guitarras que ejecuta Noel complementan perfectamente el tono reflexivo de la canción, un tema muy trabajado y de excelentes resultados.
"Put yer money where yer mouth is" nos saca rápidamente del tono propuesto por la anterior canción y a través de un riff de teclado sirve de escenario para los vocales agresivos de Liam nuevamente en su faceta de roquero, a pesar de que el tema no pasa de un medio tiempo, en otras palabras no es precisamente un rockabilly. Es de notar la presencia por primera vez de coristas femeninas en una canción de Oasis, lo que ayuda a la grandilocuencia de la canción, complementada por coros cantados solo por Noel. En este punto estamos convencidos que Oasis probablemente no tocará un tema de rock que no contenga una fuerte dosis de efectos electrónicos. Sin embargo la canción es correcta. "Little James" es una balada que tiene la particularidad de ser la primera canción firmada por el díscolo Liam Gallagher, dedicada a su hijo, a pesar de la extrema inocencia (por no decir otra cosa) de sus letras, la melodía y la excelente producción la rescatan del olvido. "Gas panic" es otra de las sorpresas que nos tiene este disco, la estuctura de la canción es progresiva, lo mas cercano que les he escuchado a algo parecido a un R&B sin llegar a serlo, las melodías perfectas, el ambiente electrónico y loops están nuevamente por todos lados cargando el tema y dándole ese efecto de "pánico" y confusión. Excelente tema.

Es el turno de Noel Gallagher quien canta las dos canciones (baladas) siguientes, primero "Where did it all go wrong", sus depresivas y reflexivas letras ("Conservas las facturas de los amigos que compras?")le dan ese toque dramático tan bien ejecutado e interpretado por la banda. "Sunday morning call" mantiene el mismo mood y tiempo, coros femeninos a lo Pink Floyd, instrumentación mas simple, efectos y loops acompañando, un solo de guitarra precioso, en suma dos grandes temas. Siendo "Sunday morning call" mi favorita.

No olvidemos que antes que todo, Oasis sigue siendo una banda de rock, y de eso se encargan en "I can see a liar" y ese aire a rock de los setentas, suena bastante a The Who, todo ese bravado que tenía la legendaria banda de Pete Townshend. "Roll it over" cierra las acciones del disco y es un tema de tono reflexivo nuevamente que va transformándose poco a poco en una épica destinada a grandes coros de fans en arenas por el mundo, sin embargo, no recuerdo su mención en shows en vivo. Sin embargo logra su cometido de cerrar el disco con ánimo positivo.

Este disco se grabó en condiciones difíciles para la banda como hemos podido leer, pero nos presentó varias sorpresas en el camino, un cambio de propuesta en el sonido, temas de Liam Gallagher, temas audaces como "Gas panic", excelencia en la balada rock en temas como "Sunday morning call", coros femeninos, etc. Un par de temas reemplazables, pero que aún así que convierten a este disco en uno de referencia necesaria para entender la época de transición de esta banda entre dos décadas. Bueno.

Si les interesó lo que leyeron, aqui les dejo el link para que bajen el disco gratis porsupuesto.  Juzguen por ustedes mismos y si les gustó por favor compren un original. Gracias.

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