Escribe sobre lo que escuchas

Neu! - Neu! (1972)

pologallagher — Thu, 18 Jun 2009 03:11:00 +0100

NEU! es una banda alemana exponente del llamado Krautrock, el cual definía aquel rock alemán de inicio de los 70's y dedicado totalmente al desarrollo de la tecnología dentro de la música, uso de sintetizadorese instrumentos electrónicamente activados o diseñados, capaces de reproducir o generar nuevos sonidos que puedan ser incluídos en su música, la cual era básicamente de corte engañosamente repetitivo y minimalista, mas adelante probaría ser mucho mas que eso. NEU! era un dúo de músicos formado en Alemania en 1971.

Previos.-
NEU! junto con algunas otras bandas alemanas deficieron el llamado "Krautrock" cuyo referente mas popular serían los también alemanse de Kraftwerk, pero NEU! en sus tres primeros discos definió realmente las bases de este sonido, minimalista, electrónicamente generado, con bases rítmicas y de percusión simples, pero con muchas variantes alrededor lo que le quitaba el factor monótono y repetitivo. Aqui hablamos del disco debut autotitulado de la banda editado en 1972, el cual incluye el llamado sonido "Motorik", el cual junta las palabras alemanas "motor" y "música" o "música para autopistas". Actualmente considerado una de las obras mas influyentes en generaciones posteriores de músics con tendencias progresivas o experimentales.

Disco.-

El "Motorik" es un metraje de tiempo muy simple 4/4 el cual marca el tiempo de toda la canción, acompañado por varias variantes de sonido que le quitan el carácter monótono. Un claro ejemplo de ello es "Hallo Gallo" que inicia el disco, un tema de casi 10 minutos el cual te mentiene muy entretenido durante toda su duración, aún sabiendo que no tiene variantes de metraje, simplemente magistral y toda una escuela para múdsicos como David Bowie, Brian Eno, Sonic Youth, Stereolab o Radiohead por solo mencionar algunos. Temática similar sería utilizada exitosamente por Krafwerk en su celebrado "Autobahn" de 1975.
"Sonderangebot" es música ambiental y atmosférica generada por teclads y efectos de estudio que luego sería la especialidad de Brian Eno. "Weissensee" es un poco mas de música ambiental pero con el agragado de mayor rango de instrumentos, batería humana, guitarra distorsionada, bajo electrónico acompañando a los ya familiares efectos de moogs y sintetizadores.

"I'm Gluck" es el penúltimo track lleno de feedbacks, distorsiones y efectos, junto con rel anterior tema podríamos llamarlos como "Krautrock progresivo" tan solo para intentar hacer mas didáctico mi punto de vista. El disco cierra con "Negativland" otro clásico de este disco, sonidos proto industriales se suman a los ya familiares instrumentos de la banda, dándole una real mezcla de rock industrial con toques progresivos. Es pertinente mencionar el cambio de ritmo de un acompañamiento mediotiempo ablusado a otro mas rápido y vibrante, usando como único medio de vínculo entre ambos tiempos, un sonido metálico industrial, muchos años adelantado a su época.

En suma estoy hablando de uno de esos discos que son reconocidos muchos años mas tarde de lo debido y que solo el tiempo ha podido dar la razón, influencial completamente, diseñó las pautas para toda una generación de músicos interesados en mas que pop de 3 minutos. Un disco definitvamente capital e interesante para escuchar y comprender todas las puertas que abría un sonido tan vanguardista para su época.

Si te interesó lo que acabas de leer, puedes descargarlo aquí. Si te gustó, por favor compra un disco original. Gracias.

http://rapidshare.com/files/80164045/Neu_.rar

Leer Neu! - Neu! (1972) en Escribe sobre lo que escuchas

TEXAS - The Hush (1999)

pologallagher — Thu, 18 Jun 2009 03:05:00 +0100

Banda de pop rock proveniente de Escocia, surge como proyecto del músico Johnny MacElhone, el cual ya había tocado con regular éxito en otras bandas de la escena local. Al poco tiempo consigue los servicios de Sharleen Spiteri, quien sería hasta ahora la vocalista de la banda, posteriormente MacElhone logra convocar otros músicos para las demas plazas. Las intenciones iniciales de la banda tal y como lo prueba su disco debut "Southside" de 1988, eran los de producir un rock con bastantes matices blues, intenciones que mantendrían en buena medida en los dos siguientes discos, pero con resultados bastante inferiores en ventas, lo que obligó a la banda a cambiar su propuesta a mediados de los 90's. Previos.- El cuarto disco de la banda es titulado "White on Blonde" y con un sonido mucho mas pop soul, se convierte en un gran éxito de ventas por toda Europa. El siguiente disco se tituló "The Hush" y tenía la misión de probar si el éxito de su disco previo solo había sido fortuna o si se trataba de una banda que ya había cambiado y que sabía donde quería llegar y como. Disco.- Después de lo leído ya estamos listos a creer que la banda ha cambiado, que las guitarras y las baterías ya pasaron a un segundo plano, donde los secuenciadores y los samplers ya han tomado posesión del sonido. Y lo que obtenemos es puro pop en el tema inicio del disco "In a lifetime". El hecho de llamarlo pop no es despectivo bajo ningún punto de vista, el pop también puede estar bien hecho, armonís bien trabajadas, la guitarra que solo marca el ritmo de la canción pero hace un buen trabajo, pertinentes cambios de ritmo y una melodía contagiosa y sensual a lo largo de los 4 minutos que dara la canción. "Tell me the answer" tiene el falsetto de Sharleen en un intento de sonar como Prince, lo cual considero negativamente perturbador, terminando de enterrar un tema olvidable. "Summer Son" llega para hacernos olvidar la canción previa, editado como single y uno de los Top 10 por toda Europa, marca su ritmo por las guitarras de Ally McErlaine, grandiosos vocales, ritmo creado para ser distribuído por todas las pistas de baile, pop rock en su mejor expresión, perfecta para ser tocada en vivo. Baja las revoluciones "Sunday Afternoon", la primera balada, en la cual la susurrante y sensual voz de Sharleen puede lucirse, los arreglos son soul y se trata de otra canción bastante cumplidora en nuestros atardeceres, diría que hasta relajante. "Move In" sigue los mismos acordes y tranquilamente pudo haber sido una suite continuación de la anterior canción. "When we are together" nos demuestra que a estas altura de la carrera la banda ya había dominado el arte de hacer efectivas y contagiosas canciones pop de 4 minutos ideales para ser difundidas en el verano europeo y llenar las pistas de baile y arenas durante las noches. La nueva balada de rigor para estos efectos se presenta con "Day After Day" la cual se adorna con sección de cuerdas para adecuar mejor el ambiente. Tal y como lo mencionamos, las habilidades melódicas de la banda y la voz de Sharleen se convierten en caldo de cultivo perfecto para una balada como esta, cumplidora. "Zero Zero" es un instrumental bien consumado, demostrando las habilidades de la banda en la producción de studio, loops, secuencias, samplers y demás efectos actuales. "Saint" se mueve en los acordes soul de otros temas y su ritmo es lento, bien pautado, mid tempo, sólidamente producido."Girl" es otro sólido tema pop, rasgueos de guitarra y riff de teclado que le dan un aire lounge. El penúltimo tema del disco guarda agradables sorpresas, "The Hush" como su título sugiere es un tema pausado, lounge nuevamente, con samples fácilmente ubicables durante toda la canción, pero que logran un efecto poco convencional, hipnotizante, relajante, especialmente en los coros, muy interesante, sonido muy estilizado, una de las joyas del disco, o la pieza principal. Sin embargo, aún tengo que comentar "The Day before I went away" que cierra el disco. En la misma vena de la canción previa, ese sonido bastante estilizado y con mucha clase que terminará por dejarnos el sabor de boca final con el disco, un poco de hip hop samples aunque muy sutiles felizmente, sonidos etéreos, inclusive ligeramente psicodélicos se reúnen aquí con muy felices resultados. En suma, tal y como recalcamos antes, Texas en 1999 era una banda que sabía que los tiempos habían cambiado y que si querían seguir en el negocio tenían que adecuar su propuesta, y llevaron su rock ablusado y pop-rock-disco-soul de The Hush. Dentro de ese contexto, el disco cumple con lo prometido, un buen rato, música alegre y con buen espíritu, varias baladas para ponernos nostálgicos en los atardeceres que nos quedan y en general, pop muy bien hecho, con categoría y bajo una sólida propuesta. La banda ya había hallado una nueva identidad y se sentían muy cómodos cn ella. Recomendable. Si les interesó lo que acaban de leer, aqui lo pueden bajar:

http://rapidshare.com/files/74608088/Texas.rar.html

Si les gustó, por favor compren un original, no contribuyan con la piratería. Saludos, Polo gallagher

Leer TEXAS - The Hush (1999) en Escribe sobre lo que escuchas

THE SUNDAYS - STATIC AND SILENCE (1997)

pologallagher — Mon, 31 Dec 2007 14:36:12 +0100

Cuarteto británico formado a mediados de los años ochenta por Harriet Wheeler (voz), David Gavurin (guitarra), Paul Brindley (bajo) y Patrick Hannah en la batería, pero que recién podrían sacar su disco debut en 1989 titulado "Reading Writing and Arithmetic", para delicia del público y crítica especializada inglesa, que llegó a llamarlos los sucesores de "The Smiths", logrando muy rápidamente un contrato con el sello Geffen en los EEUU y con Parlophone en Inglaterra. Si pudiéramos intentar definir su sonido, podría intentar decir que una combinación de los Cocteau Twins por el sonido etéreo de la guitarra y la angelical voz de Harriet Wheeler, y con el ritmo y temática de las canciones de The Smiths.

Previos.-
Hacia 1997 la banda había editado dos discos (1989 y en 1992) y tomado un descanso de 5 años hasta que en 1997 editan "Static and Silence", con un sonido mas adulto, atrás había quedado el wave del disco debut, las melodías seguían siendo tan sólidas como siempre, la voz de Harriet encantadora a mas no poder, pero las guitarras acústicas con sonido barroco así como fuertemente influenciado por el folk y el uso de secciones de cuerdas para apoyo, le daba un matiz distinto a este disco, compuesto enteramente durante la ya iniciada vida familiar de Gavurin y Wheeler, que para ese entonces ya se había casado y tenían una hija.

Disco.-

El disco inicia con "Summertime", una perfecta y optimista canción pop, con todos los elementos y detalle en la instrumentación que es imposible pasarla por alto. Llegó al puesto 15 en los Estados Unidos. "Homeward" le sigue y contiene un marcado aire mucho mas folk y reflexivo en las letras, la cuidadosa instrumentación de guitarras y base rítmica le da mucha profundidad y riqueza a la canción, muy recomendable. "Folk song" es básicamente eso, una canción folk cantada por una dulce pero no melosa voz, una armoniosa continuación de la anterior canción, pero sin percusión y con sección de cuerdas. "She" retoma las guitarras y acelera ligeramente los tiempos pero mantiene el tono reflexivo de sus letras. Hasta este punto el disco se presenta muy sólido en estructura y cumple con el objetivo de dar a conocer al oyente la temática del album, cuando llegamos a una de las joyas sobresalientes del disco "When Im thinking about you", una perfecta y delicada canción de amor que logra lo que muchas no pueden, diferenciar la delgada línea entre sentimiento y cursilería. Una letra inteligente y melodías trabajadas pueden hacerlo y este es el caso.

"I can't wait" le sigue e introduce una sección de metales al sonido que en su mayoría sigue siendo dominado por ritmos acompasados por guitarras acústicas y una sólida base rítmica. "Cry" lleva al frente todo el lado melancólico, frágil pero convencido de su propuesta. Una balada con la banda en pleno acompañada de cuerdas y un riff de guitarra precioso, otro de los momentos sobresalientes del disco. "Another flavour" le añade ese componente rock que nunca está de mas, con un ritmo mas acelrado y un riff de guitarra presente como mantra en toda la canción es un interesante cambio de aire. "Leave this city" nos retorna donde estábamos antes, con otra dulce canción pop folk con una producción que realmente asombra por su aparente sencillez pero que esconde delicadamente capas de guitarras acústicas muy bien coordinadas. Una buena producción y mezcla debe hacernos escuchar en un disco a los verdaderos protagonistas de un disco y no centrarse en un solo aspecto, y la producción de este disco logra presentarnos a The Sundays como una banda. "Your eyes" añade percusión de congas a los elementos familiares del disco y le da un aire ligeramente mas coloquial al todo, acentuado por el pertinente solo de flauta.

"So much" devuelve las guitarras eléctricas y hasta un solo a los procedimientos, dándole un aire folk rock mas genérico y que sirve como preámbulo para el último tema del disco "Monochrome" que de alguna manera resume las cualidades ya resaltadas en previas canciones, y que te recuerda que muy al inicio la banda ya había definido el sonido y la propuesta, con esta canción no hace mas que hacértela recordar.

Hablamos de un disco con un sonido muy maduro, con una producción que interperta bien la sobriedad de su ejecución, que se apoya en elementos como las cuerdas y metales pero sin darles mas protagonismo del que merecen, con una voz que extraño y que a la fecha no ha tenido reemplazo y con una guitarra y sección rítmica al servicio de la banda y no en viceversa. En 1997 se retiraron por voluntad propia, para priorizar a la familia que estaban formando. Extraño a los Sundays y extraño otro disco como Static and Silence.

Leer THE SUNDAYS - STATIC AND SILENCE (1997) en Escribe sobre lo que escuchas

AEROSMITH - TOYS IN THE ATTIC (1975)

pologallagher — Tue, 18 Dec 2007 05:09:17 +0100

En este artículo hablamos de una de las bandas ícono del rock estadounidense: Aerosmith. Si bien la mayoría de miembros de la banda se conoció a fines de los setenta, no es sinó hasta 1973 en que pueden editar su disco debut, donde rápidamente dan a conocer sus credenciales de banda de rock and roll con mediano éxito. En 1975 llega su tercer disco y consagración a nivel mundial. La gente hablaba de los reemplazantes de los Rolling Stones, exageraban o no? veamos.

Previos.-
Tal y como mencionaba, en 1975 la banda ya había editado un par de discos y a causa de sus constantes giras, ya había conformado una importante cantidad de fans, sin embargo todavía no habían llegado a niveles masivos de popularidad que brinda la exposición en los medios. Ese año Steven Tyler (voz), Joe Perry (guitarra), Tom Hamilton (bajo), Joey Kramer (batería) y Brad Whitford (guitarra) grabaron el disco que cambió sus vidas.

Disco.-

La canción que le da nombre al disco inicia este trabajo, que se puede decir de una de las quintaesenciales canción de la historia del rock?, tiene todos los elementos que amamos, un riff irresistible, una base rítmica muy dinámica que no le pierde pisada a las pirotecnias guitarreras de Perry, y un vocalista que no se deja amilanar por tamaño acompañamiento. Aún se escucha con frecuencia en las radios de rock clásico y en sus conciertos. Y con razón. Uncle salty aparentemante nos baja las revoluciones, pero no se dejen engañar, el ritmo y el tiempo de la canción cancino en un primer momento, nos va envolviendo de a pocos, y antes de los dos minutos ya te encuentras cantando "uhh Its a sunny day outside my window...". Adam's apple tiene en el trabajo de la slide guitar a un gran aliado y nos devuelve a la vorágine de rock and roll que buscamos.
La cuarta canción del disco es "Walk this way". No hace falta mencionar el cross hecho con RUNDMC en los ochentas, no hace falta mencionar que tiene una cadencia funky infernal y para no caer rendidos a su ritmo y cadencia hay que estar muertos, y tampoco hace falta mencionar que tiene uno de los riffs de guitarra mas inspirados y sampleados de la historia. Mención aparte para el gran trabajo de Hamilton en el bajo, perfecto. El boggie retro rock de "Big ten inch record" es simplemente estupendo y jocoso. "Sweet emotion" es simplemente la canción de rock perfecta, nuevamente cada uno de los miembros de la banda tiene espacio para lucirse, condenándote a no poder sacar de tu cabeza nunca mas los riffs de esta canción. La fuga del tema, nos regala mas rock and roll que solo podía haberse hecho en los setentas. "No more no more" le sigue y no baja las revoluciones y nos hace seguir moviendo los pies al menos. Poca gente hace mención y los arreglos vocales de la banda, en esta canción el doubletracking vocal de Tyler la merece. "Round and round" tiene mezclados los tracks de batería para hacértelos escuchar como una explosión, imposible evitar hacer comparaciones con "When the levee breaks" de Led Zeppelin. El disco finaliza con "You see me crying", la primera de esas powerballads que convertirían esta banda años mas adelante en ese fantasma que deambula actualmente en las radios y mtv.

En suma, estamos hablando de un disco que tiene sus intenciones bastante claras, mucho rock and roll, mucha fuerza, esa misma que ahora extrañamos cada vez mas. Y seguro, yo también extraño a esta versión de Aerosmith. Muy recomendable.

Amigos, si les interesó lo que escribí, aqui le dejo el link para que puedan bajar el disco gratis. Si les gustó por favor compren un original. Gracias. Polo

http://rapidshare.com/files/75490337/Aerosmith.rar

Leer AEROSMITH - TOYS IN THE ATTIC (1975) en Escribe sobre lo que escuchas

HEART - DREAMBOAT ANNIE (1976)

pologallagher — Mon, 29 Oct 2007 01:41:15 +0100

Las hermanas Ann y Nancy Wilson, estadounidenses de nacimiento, pero que debido q que lanzaron su carrera como Heart en Canada, se piensa que nacieron en dicho país, desarrollaron una temprana afición por la música uniéndose a bandas desde inicios de los años setenta. Sus principales influencias, tal y como se puede apreciar claramente en sus primeros discos, consistían en Led Zeppelin y su mixtura de rock pesado y folk en una misma melodía.

Previos.-
En 1975 y ya establecidas en Vancouver - Canadá, consiguen un contrato con la disquera Mushroom Records editando al año siguiente su disco debut "Dreamboat Annie".

Disco.-
"Magic Man" da inicio al disco con su irresistible midtempo y esa hipnotizante voz lujuriosa de Ann Wilson. El tiempo de la canción pertmite ver casi en forma transparente el preciso trabajo de la base rítmica, la cual corta y reinicia ritmos con milimétrica precisión. La diferencia en la canción la marca el cambio de tiempo que llega después de pequeños solos de guitarra y teclado, acompañados de los coros de las hermanas Wilson, dando la apariencia de que un extenso jam se viene, sin embarego, Nancy retoma pronto la estrofa principal y nos devuelve a la melodía principal para rematar la canción. Excelente, un clásico por donde se aprecie. "Dreamboat Annie (Fantasy child)" es una pequeña y delicada melodía acústica que nos sirve de puente para llegar a otro de los clásicos de este disco "Crazy on You", el cual no hace reparos en bajar las tonalidades para llegar 100% con rock que no pierde su esencia pero que podía ser tocado en la ya influyente FM de las radios.

"Soul of the sea" vuelve con el ambiental sonido del mar, relajante e hipnótico que se presta para acompañar las acústicas melodías de la canción, aunque esta vez acompañados de la banda completa, resultando una hermosa pieza folk. Insertan una melodía nueva a la mitad, la cual tiene mucho mas fuerza vocal pero permanece acústica para luego volver con el sonido del mar y la melodía inicial cerrando esta hermosa y pequeña suit. El reprise de "Dreamboat Annie" en una ligeramente distinta versión nos hace ver la gran influencia estética que las bandas de rock pesado y progresivo de los setenta tenía la banda. De todas maneras, la inclusión de un banjo en la melodía, de por sí hermosa, le da un plus a la canción y un adecuado final al lado "A" del disco en su original presentación como LP.

"White lightning and wine" inicia con sucias notas de rock en la guitarra eléctrica, un ritmo contagiante sirve de preludio para apreciar la potencia de la voz totalmente rockera y dominante de Ann Wilson. "I'll be your song" nos devuelve al mundo folk en el que habitan los gustos de esta banda, una preciosa canción con un coro que acompaña a seguirlo. Pero el fogón del campamento se apaga abruptamente por el poder de "Sing child" que retoma toda la influencia pesada Zeppelin y Jethro Tull de la banda, el mejor tema del disco junto con el de apertura. "How deep it goes" es otra melodía folk de transcurrir mas pausado, adornada de las armonías vocales de las hermanas, una pequeña sección de cuerdas y trabajo de piano. El disco cierra con "Dreamboat Annie (reprise)" ligeramente distinta a las dos versiones previas, manteniendo la melodía y los coros, pero con un piano mas prominente y trabajo de flauta traversa y cuerdas.

En suma, un muy auspicioso disco debut, lo mas parecido a un "filler" sería el último tema, pero está muy lejos de serlo ya que los arreglos son muy bien logrados. Entonces hablo de un disco redondo, con secciones folk y de guitarra pesada a lo largo de los 10 temas, sin perder de vista las armonías vocales e instrumentales de la banda. Muy recomendable.

Amigos, si les interesó lo que acaban de leer, entonces ahora pueden descargar grstis el disco. Si lesgustó lo que oyeron, por favor compren un original. Gracias. Polo.

http://rapidshare.com/files/77340814/Heart.rar

Leer HEART - DREAMBOAT ANNIE (1976) en Escribe sobre lo que escuchas

JOHN LENNON - IMAGINE (1971)

pologallagher — Mon, 08 Oct 2007 01:51:58 +0100

Considerado como uno de los genios de la música popular del siglo XX y fundador de la banda de rock mas importante de la historia, John Lennon siempre ha sido motivo de debate, sea por su visión política, sus contradicciones, su música, etcétera. En todo caso, en este blog solo importa su música, y es uno de sus discos mas nombrados del que me ocuparé ahora.

Previos.-
Los Beatles sacaron a la venta oficialmente su último disco en 1970, en ese mismo año Lennon debuta con su primer disco de "canciones" llamado "John Lennon/Plastic Ono Band" el cual era un desgarrador recuento de los momentos mas difíciles de su vida interpretado en un duro rock and roll. En 1971, edita "Imagine", donde si bien los tópicos son similares, la instrumentación y producción suaviza en buena medida las canciones, haciéndola mucho mas digerible para su difusión en los medios y su consumo por el público masivo.

Disco.-
"Imagine" es la primera canción, seguramente escuchada por buena parte del mundo, es básicamente una declaración utópica de paz y buenas intenciones hacia el mundo, acompañado de un piano y una sección de cuerdas. No es necesario ahondar mucho mas. "Crippled inside" y su contagioso folk/rock es una pieza mas interesante, con George Harrison tocando el dobro, lo cual le da el detalle que distingue la canción y le dá mucha vida. "Jealous Guy", compuesta en India en 1968 durante el retiro espiritual de los Beatles bajo el nombre de -Child of nature-, para este disco sufre algunos cambios sobretodo en la letra, balada de hermosa instrumentación e interpretación vocal de Lennon y su característico efecto doble vocal, el resultado es conmovedor y uno de los mejores momentos del artista.

Tratándose de John Lennon, en alguna parte del disco tenía que encontrarse la canción roquera de rigor, y llega en el blusero "It's so hard". Los acordes de guitarra bluseros, intercalados con la voz rasposa de Lennon y el saxo de King Curtis le dan la energía necesaria al tema. "I don't want to be a soldier mamma" es el manifesto político del album, evidentemente antibélico, tiene una musicalización con bastante trabajo de wall of sound (recordar que el coproductor era Phil Spector) con bastante eco y efectos psicodélicos, agresivos vocales que redondean un matiz en el disco, pero es bienvenido. "Gimme some truth", mas en la vena clásica de composición Lennon, en lo referido a los coros y estructura, coda de guitarra a lo largo de la canción, enérgicos acordes, muy buen solo de guitarra eléctrica cortesía de Harrison nuevamente.

"Oh my love" baja considerablemente las revoluciones, ya que es una delicada composición dedicada a Yoko Ono, piano, bajo, campanas tibetanas y una muy delicada guitarra acústica acompañan. "How do you sleep" es una serie de ataques a Paul Mccartney, ya que según Lennon, había sido atacado primero en referencias del álbum "Ram" de Paul. "How" es una de esas canciones en los que uno se queda preguntando: como rayos esta canción no se convirtió en otro clásico de Lennon??, tiene todos los elementos, delicada instrumentación, estructuras fáciles de digerir, cuerdas que endulzan y suavizan el dolor del amor no compartido o de las privaciones que tuvo Lennon en su vida y con las que casi todos podemos identificarnos a nivel personal, etcétera. En suma, una muy buena canción, que no recibió mucha difusión, pero quizá así sea mejor. "Oh Yoko" cierra el disco y es una alegre canción, con guitarras acústicas como protagonistas y una oda a la felicidad que su amor por Yoko Ono le hacía sentir.

Como lo mencioné al inicio, un disco mas "digerible" en comparación con el previo, mucho mas cuidado en pulir el sonido y armonías, endulzarlo con cuerdas, que ayudó mucho a relanzar la carrera de Lennon en su momento. Pero cuidado, no vaya a creerse que por eso es un mal disco, tal y como han podido leer, la gran mayoría de las canciones están muy bien producidas y ejecutadas, la composición en general es brillante y contiene varios de los temas que eventualmente confirmarían el status de "Imagine", como uno de los discos capitales de la carrera de Lennon como solista y uno de los mas importantes de su década.

Hola amigos,
estoy añadiendo una nueva característica a mi blog, para que puedan tener una experiencia mucho mas completa, además de leer el review ahora podrán escuchar el disco en su integridad. Si les gustó, por favor compren un disco original.
Aqui va el link:

http://rapidshare.com/files/79993420/John_Lennon.rar

Leer JOHN LENNON - IMAGINE (1971) en Escribe sobre lo que escuchas

THE SMITHS - STRANGEWAYS HERE WE COME (1987)

pologallagher — Mon, 24 Sep 2007 00:03:47 +0100

La banda se formó en Manchester, Inglaterra en 1982 liderados por Morrissey (Steven Patrick Morrissey) y Johnny Marr (John Maher), a pesar de que solo estuvieron activos como banda entre 1982 y 1987, se las ingeniaron para ser aún ahora una de las bandas mas influyentes de la historia del rock inglés y virtualmente responsables del britpop de inicios de los noventas.

PREVIOS.-
La banda venía de editar "The Queen is dead" con gran éxito tanto comercial como de críticas, pero problemas internos tanto entre miembros de la banda así como con su sello Rough Trade, tenían en incertibumbre permanente el futuro de la banda. Para el momento en que "Strangeways..." fue editado, la banda ya se había separado, sin embargo tuvo buena recepción en los medios y el público.

DISCO.-
Empezamos el disco con "A rush and a push and the land is ours", si bien los discos de los Smiths se han caracterizado por las ácidas letras de Morrissey y el uso de guitarras en su sonido, en este caso la canción es llevada por la melodía de la base rítmica por supuesto, mas los teclados le dan un aire ligero a esta canción de medio tiempo, pero sin la intervención de la guitarra. Definitivamente no mi primera elección para el inicio de un disco. "I started something I couldn't finish" le sigue y lo primero que escuchamos es el rasgueo bienvenido de Marr en su guitarra eléctrica brindando un sonido mucho mas fuerte a la canción, la cual seguiría a lo largo de toda su duración. "Death of a disco dancer" tiene su ritmo marcado prominentemente por el bajo, una suave y tierna performance vocal de Morrissey acompaña, asimismo el trabajo de batería en esta balada es remarcable, marcando los tiempos en forma adecuada. El tema sigue una marcha in-crescendo en los siguientes minutos acompañados por la banda en pleno mas trabajo de piano acentuado. Excelente canción. Ahora llegan los pegajosos coros y estribillos del single "Girlfriend in a coma", no perder de vista el trabajo de guitarra de Marr, no hay mucho que mas que decir en los demás dos minutos que le siguen.

"Stop me if you think you've heard this one before" tiene el sonido característico de los Smiths si es que han escuchado sus demás singles sabrán de lo que estoy hablando, particularmente no encuentro placer en el sonido de la batería demasiado ochentera de esta banda en su carrera (bueno, esta bien, eran los ochenta, pero no todos hacían lo mismo) y el solo de Marr al final es lo mejor del tema. "Last night I dreamt that somebody loved me" inicia con un par de minutos de acordes siniestros de piano con el fondo de ruidos ininteligibles que parecen sacados de alguna protesta callejera, que le dan paso a una emotiva, poderosa y excelente canción con la banda en pleno y Morrissey haciendo su mejor papel como vocero de una juventud inglesa desesperanzada de mitad de los ochenta. Excelente producción además que redondea una excelente canción. "Unhappy birthday" combina letras sobre muerte contrastándolo con un ritmo mucho mas alegre, no mucho mas que decir, suena a filler.

Imposible seguir mencionando un disco de esta banda sin hacer mayor mención de las letras, en el caso de "Paint a vulgar picture" se habla de la codicia extrema de los ejecutivos de las disqueras, que sin importar la muerte de su artista, no tienen mayores reparos en editar y re-re editar su catalogo en forma de "best of" o "greatest hits". Salvo el tema de la muerte, este se convirtió proféticamente en el caso de los Smiths, quienes han tenido mas cantidad de colecciones y recopilaciones que de discos originales, similar fenómeno se dá con otros grandes nombres de corta carrera como "Jimi Hendrix". Además, el trabajo de Marr es excelso, gran melodía, base rítmica que calza con la velocidad de la narración vocal, perfecto tema. Lamentablemete nos encontramos otro "filler" después de un gran cancion, es el turno de "Death at one's elbow", cuyas letras nos dicen muy muy poco, felizmente son solo dos minutos. "El disco finaliza con "I won't share you" delicadamente acompañada solo por guitarra acústica, un bajo eléctrico y las sentidas letras de Morrissey, un final digno.

No hablo de un disco perfecto encuentro hasta un par de temas que bajan el nivel del disco, pero no es un gran problema. En su mayoría tenemos grandes canciones de una banda que llegaba a su final habiendo madurado rápidamente en términos musicales, una buena producción y un disco que sin dificultades debería estar en todo aquel que desee entender la historia del pop inglés de los ochenta, porque este disco es uno de los mas importantes y logrados que se editaron por ese entonces.

Leer THE SMITHS - STRANGEWAYS HERE WE COME (1987) en Escribe sobre lo que escuchas

OASIS - STANDING ON THE SHOULDERS OF GIANTS

pologallagher — Mon, 03 Sep 2007 04:48:21 +0100

Los hermanos Gallagher (Noel y Liam) son los únicos miembros de esta banda que han permanecido desde sus inicios en 1991, fuertemente influenciados por el rock de fines de los sesenta, Beatles, Hendrix, The Who, Neil Young entre otros, han sido protagonistas de una de las carreras mas problemáticas pero finalmente exitosas de los noventa.

PREVIOS.-
En 1999 la banda ya había editado tres discos, el último de ellos (Be Here now" en 1997, con muchas malas críticas por los excesos y autoindulgencia en su sonido. Al iniciar la producción de el disco de 1999 en Francia, dos de los miembros fundadores, el bajista y el guitarrista decidieron renunciar, por lo que sus partes debieron ser ejecutadas por Noel, quien además era co productor junto con Mark Stent.

DISCO.-
La instrumental "Fuckin' in the bushes" empieza el disco con un excelente riff de Noel, hace recordar al rock de los setentas, matizado con efectos electrónicos y samples, aún la usan para abrir sus conciertos. Seguidamente llega el primer single "Go let it out" con Liam en los vocales y solo una acústica en las líneas iniciales, pero a los pocos segundos la banda entera revienta con una línea de bajo muy marcada, está demás mencionar el gancho en los coros y la simpleza de la ejecución, pero hay que acotar el extremo cuidado que se aprecia en los detalles de la producción. "Who feels love" y su sonido indio-influenciado y melodía a dos voces (Noel - Liam) lleno de efectos electrónicos que acompañan el ritmo medio tiempo de este tema. Las guitarras que ejecuta Noel complementan perfectamente el tono reflexivo de la canción, un tema muy trabajado y de excelentes resultados.
"Put yer money where yer mouth is" nos saca rápidamente del tono propuesto por la anterior canción y a través de un riff de teclado sirve de escenario para los vocales agresivos de Liam nuevamente en su faceta de roquero, a pesar de que el tema no pasa de un medio tiempo, en otras palabras no es precisamente un rockabilly. Es de notar la presencia por primera vez de coristas femeninas en una canción de Oasis, lo que ayuda a la grandilocuencia de la canción, complementada por coros cantados solo por Noel. En este punto estamos convencidos que Oasis probablemente no tocará un tema de rock que no contenga una fuerte dosis de efectos electrónicos. Sin embargo la canción es correcta. "Little James" es una balada que tiene la particularidad de ser la primera canción firmada por el díscolo Liam Gallagher, dedicada a su hijo, a pesar de la extrema inocencia (por no decir otra cosa) de sus letras, la melodía y la excelente producción la rescatan del olvido. "Gas panic" es otra de las sorpresas que nos tiene este disco, la estuctura de la canción es progresiva, lo mas cercano que les he escuchado a algo parecido a un R&B sin llegar a serlo, las melodías perfectas, el ambiente electrónico y loops están nuevamente por todos lados cargando el tema y dándole ese efecto de "pánico" y confusión. Excelente tema.

Es el turno de Noel Gallagher quien canta las dos canciones (baladas) siguientes, primero "Where did it all go wrong", sus depresivas y reflexivas letras ("Conservas las facturas de los amigos que compras?")le dan ese toque dramático tan bien ejecutado e interpretado por la banda. "Sunday morning call" mantiene el mismo mood y tiempo, coros femeninos a lo Pink Floyd, instrumentación mas simple, efectos y loops acompañando, un solo de guitarra precioso, en suma dos grandes temas. Siendo "Sunday morning call" mi favorita.

No olvidemos que antes que todo, Oasis sigue siendo una banda de rock, y de eso se encargan en "I can see a liar" y ese aire a rock de los setentas, suena bastante a The Who, todo ese bravado que tenía la legendaria banda de Pete Townshend. "Roll it over" cierra las acciones del disco y es un tema de tono reflexivo nuevamente que va transformándose poco a poco en una épica destinada a grandes coros de fans en arenas por el mundo, sin embargo, no recuerdo su mención en shows en vivo. Sin embargo logra su cometido de cerrar el disco con ánimo positivo.

Este disco se grabó en condiciones difíciles para la banda como hemos podido leer, pero nos presentó varias sorpresas en el camino, un cambio de propuesta en el sonido, temas de Liam Gallagher, temas audaces como "Gas panic", excelencia en la balada rock en temas como "Sunday morning call", coros femeninos, etc. Un par de temas reemplazables, pero que aún así que convierten a este disco en uno de referencia necesaria para entender la época de transición de esta banda entre dos décadas. Bueno.

Si les interesó lo que leyeron, aqui les dejo el link para que bajen el disco gratis porsupuesto. Juzguen por ustedes mismos y si les gustó por favor compren un original. Gracias.

http://rapidshare.com/files/80844952/Oasis.rar

Leer OASIS - STANDING ON THE SHOULDERS OF GIANTS en Escribe sobre lo que escuchas

COLDPLAY - X & Y (2005)

pologallagher — Sun, 19 Aug 2007 05:53:52 +0100

Salidos y formados en Londres aproximadamente en 1996, esta banda alcanzaría su encuentro con el mainstream aproximadamente en el 2000 con el éxito de su single "Yellow", habiendo editado previamente un par de EP en el circuito independiente londinense. Desde entonces esta banda no ha parado de sacar singles y discos exitosos en lo referente a ventas.

Previos.-
Su previo disco ttulado "A rush of blood to the head" editado en el 2002 resumía en su sonido todo lo que esta banda venía ofreciendo hasta entonces, melodías en notas graves, coros pegajosos y melodías fáciles de recordar con cierto aire nostálgico, lo suficientemente accesible como para acceder a los medios masivos, lo que se tradujo en importantes ventas. Tradaron 3 años en editar su siguiente disco: X&Y y las expectativas estaban nuevamente puestas en ellos.

Disco.-
Iniciamos con "Square one" y sus teclados introductorios y el ya familiar medio tiempo de sus temas. El interés en una producción "limpia" revela el sonido de una banda distinta a la de "parachutes" en el 2000 y sus previos ep, obviamente mucho mas "orgánicos" y menos pulidos. Sin embargo, esto no lo veo como un aspecto negativo. Sin mayores pretensiones que un dominante uso de teclados que le dan un aire gélido y futurista al tema y una adecuada guitarra por ratos, entregan un tema sólido. "What if" es principalmente martin y un piano, acompañado posteriormente por tímidas cuerdas y el resto de la banda, esta combinación, bastante predecible y ya escuchada de la banda se vería salvada por una melodía o una estructura con mayores sorpresas, lamentablemente este no es el caso. Es una canción correctamente ejecutada y no mucho mas. Al momento de escuchar los primeros acordes de "White shadows" siento que podría estar escuhando un solo tema, una suite sin separaciones, ya que las canciones escuchadas hasta ahora son muy similares en líneas generales. Llega unod e los singles "Fix you" que mantiene el tiempo medio del resto de temas, pero es salvado por la energética fuga de la canción, rompe el tiempo previo y descarga en guitarras y sección rítmica acompañando con energía los últimos versos.

"Talk" otro de los singles, copia o "samplea" de manera exagerada a "Computer love" de los alemanes de Kraftwerk, desde luego no pretendo hacer comparaciones entre ambas bandas, pero yo estoy tan familiarizado con la versión original que me cuesta mucho trabajo procesar objetivamente este tema, en todo caso, Coldplay suple con una correcta producción lo que carece de originalidad. "X&Y" nos va dando la seguridad de que el tiempo y estructura de las canciones no cambiará en gran medida, entonces me concentro en la melodía, y esta fluye con gracia, efectos vocales, el dramatismo necesario en los vocales de Martin sin caer en el frecuente error de ser intrusivo o muy protagonista, y una guitarra épicamente distorsionada, nos entrega esta canción, reamente una grata sorpresa, y necesaria, a esta altura del disco. "Speed of sound" fue el primer single, y para ser sinceros todavía no termino de entender porqué, pero su número 2 en Inglaterra y 8 en EEUU se encargan de contradecirme. Esta banda ha tenido singles de inicio mucho mas interesantes en el pasado.

"A message" tiene un inicio auspicioso, con el vocalista y una delicada sección acústica, pero pronto llega toda la grandilocuencia de cuerdas y todos los arreglos favoritos de Coldplay, "Low" acelera el ritmo acentuando la línea del bajo, la guitarra ingresa cuando la canción recoje un segundo aire, los teclados en su intento por generar un efecto ambiental (se afirma que Brian Eno fue una influencia para este disco, de hecho se le ha anunciado como el productor de su siguiente álbum)están por todas las canciones, sin ser brillante, el atrevimiento a salir del molde es bien recibido. "The hardest part" es otro single medio tiempo esta vez sin dramáticos cambios de ritmo, y nos devuelve a terrenos conocidos, agradable melodía y piano, pero nada perdurable. "Swallowed in the sea" nos obliga a escribir nuevamente que la estructura y ritmo se repite, pero vale la pena repetidas escuchas para poder apreciarla mejor. "Twisted logic" cierra el disco, lo cual agradezco. El acústico hidden track es agradable y merecería reemplazar a algunos de los temas "del disco". Admito haber llegado aburrido a este punto. Si ustedes amigos lectores del blog, han escuchado los singles y les han gustado, entonces es muy probable que les agrade el resto del disco ya que no hay mayores cambios. Rescato agradables sorpresas en "Swallowed in the sea", "Fix you", el "Hidden track" y "Low". Caso contrario les aburrirá como a mi.

Leer COLDPLAY - X & Y (2005) en Escribe sobre lo que escuchas

MANIC STREET PREACHERS - EVERYTHING MUST GO (1996)

pologallagher — Sat, 28 Jul 2007 17:04:05 +0100

Una de las bandas mas importantes que hayan salido de Gales, el recorrido de los Manics recorre todos los años 90's hasta la actualidad, desde su primer ep "new art riot" de 1990 hasta el "send away the tigers" del 2007, esta banda se las ha arreglado para poder mantener una base importantísima y numerosa de leales fans, mientras en su música se escucha el constante deseo de innovar sin importar lo que la crítica de la industria o hasta un sector de fans digan.

PREVIOS.-
1996 fue un año muy complicado para la banda, en 1995 uno de sus integrantes, el segundo guitarra y letrista Richey James Edwards había desaparecido en 1995, meses transcurrieron desde esa fecha y su cuerpo no ha sido encontrado a la fecha. El perder de esta manera tan frustrante a un amigo de infancia, al cual no pudieron nisiquiera hacer un funeral de cuerpo presente, obligó a la banda a decidir sobre el futuro de la misma. Evidentemente la decisión fue la de seguir adelante. El sonido del disco cambió en buena medida comparado con su anterior disco, el cual se tituló "The Holy Bible" (1994) que se caracterizaba por su sonido mucho mas rápido, visceral y oscuro, tanto en ejecución como en letras. "Everything Must Go" representó un sonido mucho mas melódico, agregando cuerdas y arreglos a los temas.

DISCO.-
"Elvis impersonator blackpool pier" arranca el album, con la sorna y burla característica hacia la decadencia cultural que encuentran a su alrededor, fuerza en los acordes de guitarra y un dinámico ritmo la hace la perfecta introducción al disco, empalmando sin respiro con el emblemático "A design for life" que hasta la fecha sigue siendo el tema que cierra todos sus shows. Elegantes y grandes arreglos de cuerdas le dan el toque de melodía y drama necesario a un tema cargado de emociones, muy recomendable y un clásico.

"Kevin Carter" es el siguiente tema y lleva el nombre del fotógrafo ganador del pullitzer que se suicidó debido a la presión y carga moral que le generó la foto que le hizo famoso.

El tema esta lleno de un rasgueo de guitarra que lleva el ritmo de todo el tema, la percusión precisa de Sean Moore permite a la canción cambiar de ritmo a uno mas agresivo con mucha soltura. En el medio un solo de trompeta ejecutado por el mismo Moore le da los argumentos necesarios a este tema para hacerlo imprescindible. "Enola / alone" simboliza lo que a mi me gusta de esta banda, grandes riffs de guitarras muy rockeras, vocales muy emotivas llegando al límite de sus capacidades, mas una base rítmica que acompaña la fuerza de las guitarras marcándole los tiempos, mucha fuerza en su ejecución, la cual es adecuadamente resaltada en la producción y mezcla. "Everything must go" es bastante clara en su letra "And I just hope that you can forgive us...but everything must go". Las cuerdas vuelven a apoyar y ser decisivas en el dramatismo de los acordes, dentro de una canción que tiene mucho dolor en sus letras, pero a la vez la fuerza necesaria para seguir adelante. El tiempo es marcadamente rápido y adecuado, lo que le permite librarse de ser calificado como una canción de lamento mas.

"Small black flowers that grow in the sky" y sus retorcidas letras dan el merecido cambio de ritmo al disco, pasando del frenetismo y emoción de los primeros 5 temas a un ritmo completamente acústico y pausado. Después de esta tregua llega el rasgueo inicial de "The girl who wanted to be god" que al cabo de unos segundos nos lleva a la grandiosidad de una masiva sección de cuerdas y guitarra eléctrica en un medio tiempo bastante agradable. Es de mencionar el muy correcto trabajo del bajo de Nicky Wire, quien además se encargó de la mayoría de letras del este álbum y de todos los demás temas en posteriores discos. "Removables" puede ser considerado lo mas cercano posible a un "filler", sin embargo "Australia" epitomiza rápidamente todos los méritos de este disco: un frenético y rápido ritmo y tiempo, inacabables riffs de guitarra eléctrica, un motor de ritmos en la batería de Sean Moore. En general un himno al poder de la guitarra, muy recomendable y creo que la pieza mejor lograda del disco.

"Interiors" sigue teniendo a las guitarras como protagonista principal aunque a un tiempo ligeramente mas pausado, minutos mas tarde llega "Further away" anunciando la masiva llegada de guitarras, y un aspecto pasado un tanto por alto hasta ahora, otro gran solo de guitarra ejecutado por James Dean Bradfield. Y es precisamente este guitarrista y vocalista de la banda quien inicia con unas bellísimas notas, las que se convertirán en casi una coda durante todo el tema siguiente "No surface all felling", sus sombrías letras y acordes, acompañados por el efecto de guitarra pesada de Bradfield así como de sus nuevamente emotivos vocales, nos hace desear que el disco dure mucho mas. Finalmente la banda remata haciendo la fuga con todos los instrumentos en efecto distorsionados, el bajo al máximo, la batería golpeando con mucha fuerza y con un solo monumental de Bradfield.

Se ha dicho en numerosas ocasiones que probablemente junto con "The Holy Bible" este sea el mejor disco de los Manics, finalmente eso es cuestión de gustos personales, pero como ustedes habrán podido leer, para mí es definitivamente un gran disco, muy recomendable para todo aquel que guste del rock y de todas las emociones y sentimientos que puede generar su ejecución honesta.

Amigos, si les interesó lo que leyeron, pueden bajar el disco gratis aqui. Y si les gustó, por favor compren un original. Saludos.

http://rapidshare.com/files/81867856/Manic_Street_Preachers.rar

Leer MANIC STREET PREACHERS - EVERYTHING MUST GO (1996) en Escribe sobre lo que escuchas

PAUL MCCARTNEY - MCCARTNEY (1970)

pologallagher — Wed, 18 Jul 2007 04:46:03 +0100

Paul McCartney no necesita mayor introducción, es muy fácil enterarse sobre su carrera tanto con los Beatles, con Wings y como solista hasta la actualidad, su influencia es muy difícil de medir por la grandeza de la misma en generaciones de músicos. Ahora revisaré el primer disco en solitario que grabó después (bueno, literalmente fue "durante") de la separación de los Beatles.

PREVIOS.-
Eran los inicios de 1970 y la separación de los Beatles era solo una cuestión de tiempo. McCartney sabía de esto y no tuvo mas remedio que aislarse en su casa y acompañado de una consola studer de 4 tracks, cargar todos los instrumentos que podía y ponerse a grabar. Semanas mas tarde, en abril de 1970 sale a la venta "McCartney", posteriormente conocido como "McCartney I" ya que en 1980 editaría "McCartney II".

DISCO.-
En este disco Paul toca todos los instrumentos y como es usual, compone y produce todos los temas. "The lovely linda" inicia y de manera instantánea nos percatamos de las intenciones de su compositor: este será un disco aparentemente simple en instrumentación, artesanalmente grabado, virtualmente con el micro conectado grabando directamente a la consola, personal, íntimo, cálido. "That would be something" y las notas graves de su riff blusero, dentro de su simpleza, logran un buen tema, de aquellos que deja el deseo de saber como sonaría con una mayor producción.

Similar línea a la anterior canción es la que sigue "Valentine day" siendo esta vez un instrumental, pero en esta ocasión bien podría pasar como un jam sessión o como un simple ensayo que fue grabado, nada que nos la haga recordar por un tiempo. Sin embargo "Every night" es una de esas típicas canciones de macca, con estribillos con bastante gancho, guitarra acústica marcando la melodía cantada con Paul en su voz de baladista, percusión cumplidora, no se le puede solicitar mucho mas a Paul en la batería. Hay posteriores versiones en vivo de la canción mejor ejecutadas, pero la versión de 1970 tiene toda la esencia y elementos de aquellas canciones McCartney destinadas a ser memorables y parte de muchas vidas.

"Hot as sun/Glasses", la primera es un hermoso instrumental ejecutado con bajo, batería, guitarra, órgano, percusión (tambores) y marimbas. Fue compuesta por Paul antes de unirse a los Beatles. "Glasses" no es mas que cerca de 50 segundos de distorsión y efectos sonoros generados por botellas de vidrio. Con suerte puede escucharse el sonido de puertas cerrándose, recordemos que McCartney grababa en su casa. "Junk" es una melancólica balada con Paul en la guitarra acústica, bajo, percusión y xilófono, compuesta en 1968 durante la etapa de meditación trascendental con el Maharishi, pero que recién pudo ser grabada aqui. "Man we was lonely" es una melodía con aires ligeramente country, cantada a dos voces con Linda, donde Paul hace interesantes efectos con su guitarra telecaster, apareciendo por los 2 speakers con milésimas de diferencia ejecutando las mismas notas. Tengamos en cuenta nuevamente que son efectos artesanales.

McCartney conoció a la música a través del rock and roll, y en "Oo you" nos lo hace recordar tocando muy buenos riffs de guitarra junto con una gran línea de bajo. Una voz grita en el fondo "rock n' roll springtime take one.." signifiza que empieza "Momma miss america" la batería empieza a marcar el ritmo de otro instrumental esta vez en tiempo de rock, lo cual agradezco. Nuevamente una magistral ínea de bajo, medio tiempo, efectos de guitarra muy bien logrados. "Teddy boy" fue compuesta teniendo en cuenta su inclusión en algún disco de los Beatles, de hecho hay versiones iniciales de este tema en las sesiones de Let it Be, siendo rechazada eventualmente. Se dice que este tema habla de John Lennon y la relación que este tenía con su madre. La melodía es de gran calidad y ya tenía una estructura trabajada, las notas no son difíciles de ejecutar, pero tienen mucha belleza, los coros de Linda son sorprendentemente efectivos añadiendo un toque exacto de melancolía y tristeza, definitivamente otro de los temas inolvidables del disco.

"Singalong junk" es la versión instrumental de "Junk", revelando toda la belleza de la melodía y tristeza de este tema, ayudado en gran medida por el sonido inolvidable del mellotron. Otro tema a tener en cuenta. Luego vendría el tema mas conocido del disco y posiblemente el mas logrado "Maybe I'm amazed". La honestidad en su letra, la emoción con la que es cantada y ejecutadas las melodías, el drama que imprime el piano a lo largo de toda la canción, el correcto solo de guitarra a la mitad, la voz central y los coros..todos los elementos convergen en uno de los temas mas memorables de la carrera de McCartney en solitario. Se cierra el disco con otro instrumental, "Kreen-akrore" esta vez mas largo con mas de 4 minutos. El nombre viene de una tribu nativa brasilera, de allí que este tema tenga marcados efectos tribales de percusión, sonidos de "animales" inspirados en la selva, el disparo de un arco y una flecha y notorios jadeos. Pura experimentación, una simpática anécdota en el catalogo de este músico.

Este disco llegó al número 1 en EEUU y al número 2 en UK y avisó al mundo que los Beatles ya eran historia.

Dadas las condiciones en las que fue grabado el disco, sin estudio de grabación disponible para hacer todos los overdubs y tomas que se deseara, y ejecutando el mismo todos los instrumentos que se oyen en el disco, así como las condiciones emocionales en las que se encontraba Paul al ver que los Beatles se desmoronaban, así como su relación con sus amigos de la infancia, puedo decir que se trata "McCartney I" de un esfuerzo bastante válido por hacer un manifiesto de sus capacidades artísticas, probar que era capaz de experimentar y elaborar armonías y sonidos de manera poco convencional. Pero sobretodo demostrándose a si mismo que podía haber vida después de los Beatles.

Si les interesó lo que leyeron pueden bajar el disco aqui. Si les gustó, por favor compren un original. Gracias.

http://rapidshare.com/files/83886356/Paul_McCartney.rar

Leer PAUL MCCARTNEY - MCCARTNEY (1970) en Escribe sobre lo que escuchas

DAVID BOWIE - ALADDIN SANE (1972)

pologallagher — Wed, 18 Jul 2007 04:44:09 +0100

David Bowie es reconocido desde hace bastante tiempo como uno de los íconos mas respetados en la historia del pop, y bien merecido que lo tiene, decenas de discos, similar cantidad de giras, y mas allá de las cifras de ventas, calidad en la música y tendencias tanto visuales como musicales, que lo han hecho perdurar largamente en mayor medida que muchos de sus contemporáneos y otros que le siguieron.

PREVIOS.-
"Aladdin Sane" que no es otra cosa que un juego de letras para decir "A lad insane" viene a ser el quinto disco editado por David Bowie, el cual compone y graba en medio de la gira de promoción de su anterior disco "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the spiders from mars" y que lo había convertido en toda una estrella de rock. "Aladdin Sane está lleno de sus reflexiones y de la perspectiva que tenía ahora de la vida, la vida de una estrella llena de vicios y excesos.

DISCO.-
Tal y como habíamos mencionado, el disco le sigue a "Ziggy Stardust" aquel alienígena sexualmente ambiguo que creó Bowie, bandera de lo que se llamó mas adelante glam rock y años mas tarde "new romentics", pero todos bebian del agua que Bowie había iniciado en 1970 con Ziggy. Es este mismo personaje el que adorna la portada del disco.
Pero debo centrarme en este disco, el cual inicia con "Watch that man" y los riffs guitarreros de Mick Ronson totalmente influenciados por los Stones, lo cual le da el sonido que ustedes ya pueden imaginar. Si Jagger cantara esta canción tranquilamente podría entrar en el "It's only rock and roll" o en el "Goats head soup" por solo mencionar un par. Muy buen inicio.
En la canción que le da título al disco se pueden notar algunos de los elementos que diferencian a este disco de otros, el uso de un piano en tiempo jazzero, el cual da la impresión de estar inclusive en diferente clave y tiempo al de la canción y tocarse por separado a la misma, pero de momento en momento el piano vuelve con toda la banda para hacernos recordar que todo está preparado y que son unos genios. "Drive-in saturday" y las crónicas urbanas de sexo futurístico en un cinema bajo una melodía de rock lento de los años 50 con coros "doo-wop" de época, el cual llegó a ser single y llegó al Nº 3 en Inglaterra. "Panic in detroit" parece ser con su sonido crudo y percusión tribal uno de los favoritos entre los compradores de este disco por lo que he podido apreciar, sin embargo lo encuentro falto de propósito, sin una estructura que defina sus intenciones. Diferente reacción es la que me produce "Cracked actor", basándose en el riff de guitarra y la sección rítmica bien definida, acompañada de las crudas y descarnadas letras, nos entrega un rock mucho mas convincente.

El piano vuelve a cobrar protagonismo en los acordes medios de "Time", su dramatismo tanto en ejecución como en vocalización podría haberla ubicado entre los temas finales de "Ziggy..". Felizmente Ronson puede hacer un pequeño solo al final del tema, la cereza del postre. Una de las joyas de este disco. Tal como "Drive..", "The prettiest star" mantiene la melodía cincuentera finalizada con otro memorable solo de Mick Ronson. Una acelerada, glamorosa y energética versión de los Stones va a continuación "Let's spend the night together", definitivamente Bowie le da su toque personal este clásico. Mejor o peor que la original, eso queda a criterio de cada uno de ustedes. Yo me quedo con la orignal, pero por muy poco margen.

La recta final del disco nos presenta "The Jean Genie" y su ritmo ligeramente punk, guitarras bien afiladas y los bajos bien marcados le dan esa sucia ambientación en el buen sentido de la palabra, otra de las canciones a recordar en este disco. Bowie vuelve a ampliar la paleta de sonidos y repite la fórmula intentada en "Aladdin Sane" con resultados similarmente memorables, gracias a la ejecución de piano de Mick Garson.

Finalmente, David Bowie tomó el reto que se le presentó de tener que igualar o superar el éxito de Ziggy, para lo cual en vez de repetirse, amplió su paleta de sonidos añadiendo ritmos y estilos inéditos en su discografía, lo que impica tomar riesgos, lo cual de por sí ya es un gran mérito. No hay que olvidar que este mismo año, Bowie había editado "Pin-Ups" que era un disco de covers favoritos del artista, lo cual explica que mucho de ese sentimiento evocativo y deseoso de experimentación con ritmos que le eran familiares a lo largo de su vida, hayan aparecido en "Aladdin Sane". El disco está lleno de grandes canciones, con un par de temas que no cierran bien dentro del conjunto. Definitivamente no hablamos de un disco conceptual aqui, por eso es que quizá la comparación con Ziggy en injusta al tener este disco una sensación de mayor coherencia al ser precisamente conceptual. Sin embargo, "Aladdin Sane" representa la lucha de su creador por llegar mas "allá", el intento es válido y exitoso en balance. Recomendable.

Si les interesó lo que leyeron, aqui pueden bajar el disco y juzgar por ustedes mismos. Si les gustó, compren un original. Gracias.

http://rapidshare.com/files/84154171/David_Bowie.rar

Leer DAVID BOWIE - ALADDIN SANE (1972) en Escribe sobre lo que escuchas

YES - THE YES ALBUM (1970)

pologallagher — Sun, 15 Jul 2007 00:18:15 +0100

Inicio de una nueva década, y la llegada de nueva tecnología creaba las condiciones para la llegada de nuevos instrumentos y eliminaba las limitantes existentes en el estudio de grabación, permitiendo la llegada de bandas de lo que se conocería como rock progresivo, donde el virtuosismo musical era puesto a prueba en larguísimos tour-de-force, pero eso sería un poco mas adelante. Ahora estamos en 1970 y "Yes", una banda de las lllamadas progresivas buscaba editar su mejor disco.

PREVIOS.-
"The Yes Album" es el tercer disco de la banda, editado en 1970, a pesar de tener bajo sus espaldas dos buenos discos, su disquera (Atlantic) esperaba mas de ellos en términos comerciales. Este disco llegó al numero 7 en las listas de discos en Inglaterra. presentaba por primera vez la inconfundible guitarra de Steve Howe y presentaría por última vez a su tecladista Tony kaye, ya que en el siguiente disco aparecería Rick Wakeman.

DISCO.-
Son los primeros acordes de la guitarra de Howe los que nos reciben en "Yours is no disgrace" siendo uno de los mejores trabajos de guitarra que se puedan escuchar en el rock de los 70's, si a eso le sumamos el armónico y dinámico bajo de Chris Squire y los tiempos milimétricamente marcados del baterista Bill Brufford, tenemos una pieza en buena medida principalmente instrumental que nos invita a escuchar el resto del disco sin pensarlo mucho. El tecladista no gustaba mucho de usar los nuevos teclados y moogs que aparecían por ese entonces, prefiriendo el sonido de sus pianos y hammonds, lo que puede notarse perfectamente en este tema. La siguiente canción es un instrumental titulado "The clap", titulado originalmente "Clap" por su creador Steve Howe, pero que debido a una incorrecta pronunciación de Jon Anderson, se agregó el "The". Nombres aparte, el tema es un hermoso y memorable trabajo de guitarra, que nos demuestra en poco mas de 3 minutos, toda la fuerza, ritmo y armonía de la guitarra de Howe.

"Starship troopers" inicia con la característica técnica depurada de Chris Squire, dándole un sonido "power bass" durante toda la canción, al tema que sería uno de los clásicos de la banda hasta ahora y elemento casi obligatorio en sus conciertos. Si bien a estas alturas la banda aún no componía sus épicas canciones de mas de 20 minutos, el formato relativamente "corto" de los temas de este disco ayuda a presentar mayor variedad y fluidez de movimientos y a entender en mejor perspectiva los cambios en cada uno de los temas. "Starship troopers" se divide en 3 movimientos: life seeker, disillusion y wurm que es otra pieza instrumental, todos de alguna manera conservando la misma hilación e idea común denominadora: fuerza y armonía en la ejecución.

"I've seen all good people" se divide también en 2 movimientos: your move y all good people. La primera inicia con una intro a capella de la banda cantando el estribillo principal del tema, luego llegan las cuerdas acústicas de Howe para acompañar a Jon Anderson en una delicada, optimista y emotiva canción, la cual va elaborando lentamente para desembocar en all good people, que repite el estribillo cantado al inicio de la pequeña suite con la explosión de la banda en su conjunto repitiendo el estribillo con mucha mas fuerza y a un tiempo mas rápido.

"A venture" ofrece el gran trabajo en piano de Tony Kaye, instrumento que perdería cierto protagonismo con la llegada de Wakeman, y que de alguna manera sirve como respiro después de la fuerza y emoción de "Starship.." y "I've seen...". Finalmente el disco cierra con "Perpetual change" que de alguna manera nos termina de recordar nuevamente, el virtuosismo de cada uno de sus integrantes, dinámicos cambios de ritmo, así como la facilidad para poder darse el espacio suficiente y poder brillar por separado en sus ejecuciones y al mismo tiempo dar la idea de conjunto.

Las letras de Anderson nunca han sido mi primera elección por que no termino de entenderlas, quizá esa sea el objetivo. Espero haya otro s con mejor capacidad de asimilación que yo. De todas maneras, a mi entender Yes siempre ha sido para ser tomado en cuenta por su música, y ya estamos hablando de cosas mayores.

En definitiva, el primer gran disco de esta banda, vendrían otros tan buenos o mejores que este, pero el que tengo en mis manos y que acabo de terminar de escuchar nuevamente, es indispensable. Veremos si cuando lo escuchen opinen lo mismo.

Nota: la banda ha sacado en repetidas ocasiones remasters, ediciones especiales, etc, de su catálogo. Sin embargo yo me quedo con la edición original, el primer remaster, sin bonus tracks.

Si les interesó, aqui pueden bajar el disco. Si les gustó, por favor compren un original. Gracias.

http://rapidshare.com/files/86139042/Yes.rar

Leer YES - THE YES ALBUM (1970) en Escribe sobre lo que escuchas

LINDSEY BUCKINGHAM - GO INSANE (1984)

pologallagher — Wed, 11 Jul 2007 05:10:12 +0100

Lindsey Buckingham es conocido por ser guitarrista de Fleetwood Mac, mas no por su carrera como solista, la cual inició en 1981, pero que a la fecha solo ha consistido en 4 discos: Law and Order (1981), Go Insane (1984), Out of the Cradle (1992) y Under the Skin (2006).

PREVIOS.-
Lindsey Buckingham se unió a Fleetwood Mac en 1975 junto a Stevie Nicks, protagonizando la etapa mas exitosa tanto comercial como artística de la banda. Esta etapa llegaría hasta 1982 en la que editan "Mirage" con aceptable éxito y que contó con solo una breve gira de promoción por los Estados Unidos. Posteriormente los miembros de la banda se dedicarían por un tiempo a sus proyectos personales. En 1984 Buckingham edita su segundo disco como solista "Go Insane".

DISCO.-
Buckingham siempre fue identificado por ser uno de los principales generadores de ideas dentro de Fleetwood Mac, donde hacía las veces de arreglista y productor en cada uno de los discos que ejecutó con la banda, mostrando siempre inquietud por explorar nuevos sonidos, lo cual creaba tensiones dentro de la banda. De todas maneras, Buckingham como solista intentó explorar estos nuevos sonidos con técnicas de grabación sui-generis, instrumentación exótica y efectos vocales e instrumentales.

El sonido de un despertador inicia "I want you", un tema de tiempo rápido, con un teclado con sonido cuasi caribeño y una tonada bastante ligera, abre sorpresivamente este disco. Siendo 1984 no es de sorprender el sonido general del disco, Buckingham decidió tocar nuevamente todos los instrumentos, y ahora la tecnología le permitía ejecutarlos desde teclados y samplers. Por lo que el sonido de la batería por ejemplo proviene desde una Lynn drum machine y su característico sonido ochentero. "Go insane" va a continuación, la letra del tema refleja la constante en las letras de Buckingham, tribulaciones de tendencias existencialistas, fantasmas internos y su incapacidad para afrontarlos, llevandolo al borde de la locura "I lost my powers in this world, and the rumours are flying, so I go insane, like I always do". Fué el primer single de promoción y llegó al puesto 23 en los Estados Unidos.

Una tonada mas pausada y mejor trabajada se presenta en "Slow Dancing". La producción del disco opaca en alguna medida el trabajo de guitarra de Buckingham, que siempre ha sido punto de admiración con este músico, los riffs que ejecuta en esta canción son precisos y marcan la melodía adecuadamente. "I Must Go" trae las influencias vocales de pop californiano en los coros que tanto agradan a Lindsey.

"Play in the rain" y "Play in the rain (continued)" servían como conexión entre los lados A y B del disco en su edición original de vinilo, seguramente para dar idea de continuidad. No es mucho mas que una serie de efectos incidentales de estudio, marcados por Buckingham repitiendo incesantemente "Oh I was lonely, can we play in the rain....".

Luego llega "Loving cup" que tiene un bienvenido trabajo de varias capas de guitarras, haciendo su sonido mucho mas prominente, punteos y riffs magistralmente ejecutados, junto a un fraseo mas agresivo, hacen a este tema el mas sólido en estructura y arreglos en lo que va del disco. "Bang the drum" y "D.W. Suite" cierran el disco, y es como si Buckingham hubiera guardado las municiones pesadas para el final, ya que es aqui donde llegan las sorpresas.

En el primer tema, un melancólico intro de teclados y efectos vocales acompañan la sensación de fragilidad y vulnerabilidad de las letras susurradas. El tema va elaborando lentamente una serie de capas vocales de coros, la batería con rigor casi marcial y los teclados marcando una delicada melodía presentado con un trabajo de arreglos y producción meticuloso e impecable. Así llegamos al último tema, el cual como su título lo refiere, es una suite al estilo clásico de las bandas progresivas, dividiéndola en 3 capìtulos "the wish", "the prayer" y "the reflection". Inicia con el sonido de un arpa la cual cede el paso con efectos de flauta a una marcha, seguidamente y sin pausa se samplea con sonido distorsionado lo que es la presentación de Ed Sullivan a los Beatles en alguna de sus presentaciones, Buckingham casi recita a manera de oración algunos versos haciendo alusión al final de la vida terrenal y al inicio de otra en otro plano de espacio, aparecen nuevamente las arpas acompañando a Buckingham diciendo "The closing of a chapter, the opening of a door, brings forth life where there was no life before" para que el sonido de campanas dé inicio nuevamente a una marcha que nos acompañe a la otra vida, un cierre espectacular y majestuoso.

La oscuridad y el dolor reflejados en sus letras, la necesidad de experimentar con nuevos efectos y recursos que ofrecía entonces la tecnología, sumado a la capacidad de Buckingham para la producción y ejecución de guitarras y demás instrumentos, hacen de este disco uno que no puede ser procesado rápidamente, hace falta un poco de tiempo para poder entender mejor las intenciones e ideas de su creador. Creo que el resultado si bien es positivo en balance general y llega a picos bastante altos de performance hacia el último tercio del disco, también presenta canciones que no llegan a convencer del todo, sobretodo en la primera mitad, sin personalidad suficiente como para saber si son intentos por acercarse a un público masivo, siendo al mismo tiempo ejercicios de experimentación, no alcanzando ninguno de los dos objetivos.

Amigos, si les interesó lo que leyeron aqui pueden bajar el disco grátis. Si les gustó por favor compren un original. Gracias.

http://rapidshare.com/files/88987371/Lindsey_Buckingham.rar

Leer LINDSEY BUCKINGHAM - GO INSANE (1984) en Escribe sobre lo que escuchas

MASCOTT - DREAMER'S BOOK (2004)

pologallagher — Mon, 09 Jul 2007 04:33:38 +0100

Mascott es el seudónimo de la banda cuya principal protagonista es una cantautora estadounidense se nombre Kendall Jane Meade, autora de todos los temas de la banda que regularmente la acompaña en presentaciones en vivo.

PREVIOS.-
Mascott es una banda indy cuya música podríamos calificar como pop/rock/folk. Después de un par de discos el tercero en llegar es Dreamers Book, editado para el sello independiente Red Panda Records en el 2004 y es el disco que escucharemos a continuación.

DISCO.-
El primer tema del disco da la pauta respecto al sonido que escucharemos a lo largo de los 44 minutos que aproximadamente dura "Dreamer's Book". La cálida y suave voz de Kendall es buena compañía para la calma y hermosa instrumentación de este tema. "L.O.V.E" es la segunda canción y no defrauda, con algunos efectos electrónicos al inicio, los cuales no distraen sino mas bien siguen el sonido de la frágil melodía principal delicadamente ejecutada nuevamente por la banda. 2 minutos inolvidables.

A continuación llega la canción que le da título al disco, la cual sigue la pauta dejada por las anteriores canciones. "Time Waits" disminuye las revoluciones, efectos electrónicos generan un ambiente de ecos y reverberaciones que se suceden, sonoramente un tema muy bien logrado. Las guitarras vuelven al protagonismo cedido a los efectos de estudio en "Turn off / Turn on" llevando la melodía principal y ejecutando la mejor canción del disco hasta el momento. Sin embargo una vez que se pueden escuchar los ligeros acordes de guitarra barítona que anuncian el inicio de "Kite" me hace dudar de lo que acabo de afirmar. El tiempo de la melodía y la delicadeza de la ejecución vocal encuentran compañía mútua, y al cabo de 2:20 hemos decidido que quizá no es la canción mejor estructurada y elaborada del disco, pero es aquella que por su hermosura y aparente simpleza se quedará en nuestra cabeza por mucho tiempo.

"The Write-up" continúa susurrando sus letras en nuestros oídos en otro tema a medio tiempo, "Off Blue Richmond" es un instrumental, "Off Blue" es un tema folk, con voz, guitarra acústica y una pequeña sección de violin y cello. Hasta este momento hemos recibido canciones que por lo general han compartido tiempos similares, sin embargo, la banda puede arreglárselas para presentárnoslas con diferentes envolturas, entiéndase instrumentaciones, como es el caso de "Worry on Smith", cuyas melodías, acompañadas por la banda completa nos deja otra canción que puedo citar como una de mis favoritas.

"Martyr's Tune" acelera el tiempo de la canción, lo cual permite un mayor lucimiento de la base rítmica de Mascott, dando el soporte necesario para el resto de instrumentos. "Song from a dream" el último tema del disco presenta una coda "and we all go down to dust..." desvaneciéndose lentamente, reflejando de alguna manera el espíritu calmo y reflexivo del disco.

El estilo vocal de Kendall es peculiar, ya que no solamente se apoya en su correcto afinamiento y naturalidad para llegar a las notas requeridas, sino que el estilo es cálido, personal, una historia que va siendo contada con cierto nivel de intimidad, es la sensación que deja el disco en líneas generales. Ideal compañía para esas tardes en las que un poco de tranquilidad es bienvenida.

Amigos, si les interesó lo que oyeron aqui pueden bajar el disco gratis. Si les gustó lo que escucharon por favor compren un original. Apoyemos al artista. Gracias.

http://rapidshare.com/files/88991054/Mascott.rar

Leer MASCOTT - DREAMER'S BOOK (2004) en Escribe sobre lo que escuchas

QUEEN - QUEEN II (1974)

pologallagher — Sat, 07 Jul 2007 06:19:24 +0100

Banda de rock británico formada en 1970, que en sus inicios mezclaba en similares proporciones hard rock e influencias marcadas de ópera, lo que sumado a la potente voz de su vocalista, daba un aire dramático a sus canciones cuando lo deseaban, sin dejar de imprimirle fuerza.

PREVIOS.-
Esta histórica banda ya había editado su primer disco autotitulado con regulares resultados de ventas. Seguidamente y con el apoyo de las presentaciones en vivo, la banda fue ganando una fase importante de fans y se embarcaron en la grabación de su segundo disco, al que llamaron simplemente "Queen II".

Es de mencionar la portada de este disco, por la que debido a su calidad, no es difícil imaginar que llegaría al status de legendaria y convertirse en ícono de la banda, llegando a ser utilizada en repetidas oportunidades a lo largo de su carrera.

DISCO.-
El disco inicia con la introducción breve de "Procession" que es un solo de guitarra de May, en la que revela la peculiaridad de su sonido, único en el mundo. Es de resaltar, que en este track no hay sección de cuerdas, todos son canales de guitarras. Se empalma con "Father to son", un rock fuerte mezclado con vocales influenciados por ópera y ágiles cambios de ritmo. El trabajo de guitarra por lo general tiene riffs pesados, perfectamente ejecutados. Seguidamente llega "White Queen", un tema mas calmo después del frenesí y fuerza impresa en el anterior track, donde el protagonista es la voz de Mercury. La calma solo dura algunos segundos, ya que lentamente van elaborando lo que desencadena en un gran solo de guitarra y acompañamiento de toda la banda, para rematar nuevamente solo con la voz de Freddie.

"Some day one day" es una composisicón de May y cantada por el mismo, la melodía principal es llevada por una guitarra acústica, y sería lo mas parecido a un tema folk que encontremos en este disco, ya que acompañamientos como los grandes coros y la meticulosa guitarra eléctrica diseminada por varios canales del tema, lo alejan de toda denominación que pudiera acercarse a una canción folk. A continuación llega "The Loser in the End", un rock pesado cantado por Roger Taylor, cuya rasposa voz calza perfectamente con esta canción.

"Ogre Battle" de Mercury, inicia el "Black side" del disco, ya que la primera parte se le conoció como "White side", usado en vez de los convencionales "Side A" y "Side B". Este tema tiene riffs de guitarra bastante pesados haciendo recordar y ver la influencia de bandas como Black Sabbath en esta etapa de Queen. Son acompañados por la batería y el bajo de John Deacon quienes ejecutan sus notas con la velocidad y precisión requerida por el dinámico tiempo de la canción. "The Fairy Feller's Master-Stroke" y su barroco sonido acompañan seguidamente en forma de suite. Las delicadas notas de "Nevermore" van a continuación, y en buena medida es un ejercicio vocal de la banda, apreciándose el sonido operático que podía dar Queen a sus coros, gracias a los diferentes rangos de voz de sus integrantes.

A lo largo de este artículo hemos venido haciendo referencia repetida a las influencias operáticas que tenía Queen y que la diferenciaban de las demás bandas, bueno pues, estos rasgos se expresan en su totalidad en "The March of the Black Queen", donde los cambios de ritrmo son rápidos, la coordinación de los vocales principales y corales es muy dinámica, mientras que le estructura de la canción parece dividirse en actos debido a la diferencia entre sus notas y melodías. Estamos ante mi entender ante el mejor tema del disco y uno de los mejores de toda la carrera de la banda. Tiene todos los elementos que han hecho a Queen una de las mejores de todos los tiempos.

Finalizando el disco viene "Funny how love is" mucho mas ligero en música y letra que el resto del disco y cierran con lo que fue el single de promoción "Seven seas of rhye" llegando al puesto 10 en Inglaterra.

En resúmen, este disco si bien tiene semejanzas con su antecesor en lo que respecta al sonido e intenciones generales, "Queen II" está mejor logrado, los temas son mucho mas fuertes, mas dramáticos y oscuros cuando se lo proponen y pesados y rockeros cuando lo desean también. No hay temas que se puedan considerar fuera de contexto, nisiquiera "Funny How love is" que es lo mas cercano al pop aquí. Como disco en conjunto, demuestra unidad y coherencia en sus intenciones, las cuales se ven mucho mas claras. Recomendable.

Leer QUEEN - QUEEN II (1974) en Escribe sobre lo que escuchas

THE WHO - WHO ARE YOU (1978)

pologallagher — Tue, 03 Jul 2007 03:37:00 +0100

La última vez que The Who había sacado un álbum era 1975 (By numbers), y para el momento de la llegada de "Who are you" el mundo de la música ya era un lugar distinto para esta veterana banda.

PREVIOS.-
En 1978 el punk estaba en vigencia aún y no dudaba en tildar de dinosaurios a cualquier banda que hiciera música por mas 5 años, cuyas canciones fueran de mas de 3 minutos e igual número de acordes. Si bien "The Who" no epitomizaba el odio de los punk como lo hacían las bandas de rock progresivo, se encontraba en la necesidad de actualizar sú música, reordenar su posición dentro de la música popular, manifestar sus intenciones de manera clara y no quedar como algo del pasado. Al menos así lo sentía Pete Townshend.

DISCO.-
Pete por lo general basaba sus letras en las constantes tribulaciones en las que se encontraba, y este disco no es la excepción, y "New song" trata sobre lo comentado en el párrafo de previos, así como le eterna y tensa relación que llevaba con sus propios fans, mucho sentido de autocrítica y autocondescendencia se puede oír en la voz de Roger Daltrey "Yo escribo la misma vieja canción que ya has escuchado varias veces, admite que realmente quieres escucharla.......donde sea que te veo siempre me tratas como si fuera un hombre perfecto, solo porque te complazco...". El poderoso bajo de John Entwistle se escuchará claramente durante todo el disco, el complejo trabajo de guitarra y la agrasiva performance vocal de Daltrey le dan un muy buen inicio a este disco.

"Had Enough" le sigue, y presenta un uso prominente de sintetizadores, del cual Pete era casi un pionero al haber añadido programación de sintetizadores ARP en 1971 en el disco "Who's next". Una orquestación se puede oír también en este tema, los arreglos vocales con ese característico contrapunteo de voces entre Pete y Roger están muy bien terminados. El trabajo de batería tan solo es cumplidor para los estándares de Moon, es de recordar que su estado de salud ya estaba muy deteriorado a estas alturas. El fallecería dos semanas después del lanzamiento del disco.

"905" es la segunda contribución en el disco de John Entwistle, la primera había sido "Had enough". "Sister disco" inicia con una intro vocal de Roger junto con sintetizadores programados, en manera similar a los que escuchamos en Quadrophenia y Who's Next. Los vocales son compartidos con Pete, quien afirmó que el trabajo de sintetizadores y programación de los mismos para esta canción fue extremadamente complejo. "Music must change" presenta un tiempo de 6/8 el cual no pudo ser ejecutado por Keith Moon, por lo que la batería tuvo que ser retirada del track. Posteriormente en las giras que la banda hizo en los 80's con Kenney Jones en batería, este tema se tocó como se había planificado inicialmente, y con mejores resultados que los presentados aquí. Sin embargo los vocales de Roger son grandiosos, dejandonos oír el rango de su voz en su amplitud.

"Trick of the light" es la última canción de Entwistle para este disco, en esta ocasión a mi parecer los temas de Entwistle, salvo "Had enough", no estaban a la par del material presentado por Pete.

A continuación se escucha "Guitar and pen", el cual contiene toda la estructura, fuerza, complejidad y contundencia de un clásico tema de la banda, inclusive la percusión de Keith momentáneamente vuelve a ser la rabiosa batería que lo hizo famoso como el mejor baterista de rock del mundo. El disco prosigue con "Love is coming down", una épica canción la cual debe ser una de las mejores canciones de la banda, en medio tiempo, una orquestación y trabajo de sintetizadores perfecto creando el dramatismo necesario para provocar la performance vocal de Roger, la sección rítmica marcando el ritmo, en resumida cuenta, un tema completamente redondo.

Cerramos el disco con "Who are you" el clásico tema de la banda y que le da su título al disco, no hay mucho mas que decir respecto a esta canción que no hayamos escuchado ya, sin embargo mención especial merece el solo de guitarra acústica que Pete ejecuta. En todo disco de la banda hasta este punto de sus carreras, es ineludible también resaltar que la sección rítmica compuesta por John y Keith debe haber sido una de las mas poderosas del rock de todos los tiempos, y si bien en este disco Keith no presentó su mejor trabajo, es suficiente para haber logrado un disco bastante aceptable como este, en el cual podemos dividir en 2, una primera mitad conformada por temas que irían en la vena de lo que sería el futuro material de la banda, un poco mas cerca del wave que del rock pesado o "maximum rhythm and blues" como le llama Pete. Mientras que la segunda mitad es un disco con el sonido típico de la banda, completamente clásico The Who.

Este disco fue remasterizado en 1996, conteniendo algunos bonus track: "No road romance" demo de un delicado tema cantado por Pete, grabado para las sesiones de "Who are you" pero dejado de lado. "Empty glass", otro demo que no llegó al disco, sin embargo se convertiría en el tema principal del disco solista de Pete editado un par de años mas tarde. "Guitar and pen" una mezcla alternativa de la canción hecha por Glyn Johns, presenta un trabajo mas prominente de guitarra. "Love is coming down" un demo del tema todavía en construcción y "Who are you" con un verso adicional.

Este disco no va precisamente como la primera opción para aquel que quiere escuchar por primera vez a esta banda, sin embargo sigue siendo bastante recomendable.

Leer THE WHO - WHO ARE YOU (1978) en Escribe sobre lo que escuchas

BILLY JOEL - THE NYLON CURTAIN (1982)

pologallagher — Mon, 02 Jul 2007 01:54:08 +0100

Despues de varios años sin mayor fortuna comercial con sus primeros discos como solista, Billy Joel logra éxitos de venta con "The Stranger" editado en 1977, convirtiéndose desde entonces en uno de los compositores mas importantes e influyentes de música pop a nivel mundial.

PREVIOS.-
Ya para 1982, Billy Joel era un pianista-compositor-productor de reconocida fama a nivel mundial, con singes y discos en primeras posiciones de venta cada vez que lanzaba algún disco. Ese año, sufre un accidente de motocicleta que le fractura la mano izquierda y le produce serias heridas en la espalda, por lo que la producción de su disco prgramado para ese año tiene que ser retrasada.

Meses mas tarde edita "The Nylon Curtain", en lo que es considerado por un sector de sus fans y críticos por su album mas ambicioso y mas influenciado por los Beatles, lo cual no ha sido negado por Joel, todo lo contrario.

DISCO.-
Empieza con las sombrías letras de "Allentown", describiendo a la sociedad estadounidense y la pobreza y decadencia de un sector de la misma, específicamente el sector manufacturero de la ciudad de Allentown. Eel efecto vocal doble de reberberación hace recordar bastante a los discos solistas de John Lennon y se puede oír en casi todo "The Nylon Curtain". Fué el primer single de difusión y llegó al número 17 en EEUU. La acompasada melodía es llevada principalmente por el piano y tiene todos los elementos de un correcto single. Luego viene "Laura", quizá una de las Beatle-influenciada del disco, reflejado en la estructura y cambio de acordes, así como las armonías vocales. El consumo de sustancias ilegales es la temática del tema, la cual acompañada de una correcta orquestación, los acústicos efectos en la batería de Liberty de Vitto, y la melancólica melodía hacen de este tema uno de los mejores y mas logrados temas del album.

Los tiempos marcados firmemente por la batería nos hacen recordar que empieza "Pressure", otro de los cortes de difusión del disco. Aqui son los sintetizadores y las guitarras las que se encargan de darle un sonido mas acelerado y vagamente mas wave al tema. En los "puentes" vemos nuevamente a los Beatles. Correcto tema. Luego viene "Goodnight Saigon", intenta ser una épica referida a la guerra de Vietnam y a las penurias y olvido de los caídos en una guerra sin sentido, como todas las guerras. Solo para los interesados.

Viene seguido "She's right on time", canción pop convencional pero estructurada de manera que se hace bastante entretenida de escuchar, además de venir con un divertido video promocional, esto último de manera casi anecdótica. En similar vena se escucha a "A room of our own" y las diatribas de vida conyugal de Billy Joel, quien para este entonces estaba en proceso de separación de su primera esposa. Consigue el mismo efecto logrado en la canción anterior. Vale la pena mencionar la animada performance y solo de órgano de Billy.

A estas alturas, escuchar temas como "Surprises" y "Scandinavian Skies" no constituyen ninguna sorpresa, su bien lograda estructura, secciones de cuerda y tiempos hacen recordar bastante a los Beatles, específicamente en su etapa psicodélica, sin que esto constituya un demérito, en absoluto. Dos temas muy bien logrados, medio tiempo, melodías inapelables sin caer en facilismos. Prestarles atención.

El disco cierra en una forma mas convencional com "Where's the orchestra?", principalmente Billy y su piano acompañado de un acordeón y una sección de cuerdas. Nos recuerda a Billy Joel el pianista de "The Stranger" y "52nd Street". Una melodía delicada que nos deja como última impresión una sensación de tranquilidad, después del frenesí de sonidos de los temas que dan forma a este disco, personalmente considerado como el mejor disco de este estadounidense, coherente en toda su propuesta, con una personalidad de sonido bastante clara desde el comienzo y sin temor de expresarlo. Muy recomendable y definitivamente digno de interés.

Leer BILLY JOEL - THE NYLON CURTAIN (1982) en Escribe sobre lo que escuchas

SUPERGRASS - ROAD TO ROUEN (2005)

pologallagher — Mon, 02 Jul 2007 01:52:19 +0100

Supergrass es una banda de rock proveniente de Oxford - Inglaterra, cuyo album debut data de 1994. Su música de alguna manera puede ser influenciada en términos muy generales con una mezcla de Kinks, The Who y los Buzzcocks. Punk con letras satíricas y ocasionales estructuras provenientes del rock progresivo de inicios de los 70's.

PREVIOS:
Road to Rouen es el quinto disco de la banda (sin contar su disco compilatorio), la cual venía precedida de un declive en ventas en relación a su punto mas alto de popularidad de la mano con el auge del Britpop en la primera mitad de los años 90's. La discografía de la banda nos muestra a un grupo que con cada disco presentaba mayor interés por las estructuras mas complejas y un carácter mas "serio" en sus temas, si los comparamos con los singles de sus primer disco. Ejemplo: caught by the fuzz, alright, lenny. Así después de una para de 3 años, llega "Road to Rouen".

DISCO:
Este disco, a diferencia de sus antecesores, presenta menos canciones, pero con estructuras mas complejas y mayor duración en su ejecución. Así empezamos con "Tales of endurance parts 4, 5 & 6" que nos sugiere no solo por el título sino por el contenido mismo del tema, una estructura tipo suite eminentemente de corte progresivo. Durante todo el tema se repite compulsivamente un riff de guitarra el cual es adecuadamente acompañado por una acentuada línea de bajo en la mezcla final. Quisiera escuchar las demas partes de la canción, ya que da la impresión de no estar completa. Luego viene el primer single "St. Petersburg", un tema poco usual para ser single, notas graves, tonada melancólica y de medio tiempo que no me imagino en el top chart inglés de estos días. Sin embargo, presenta una correcta sección de cuerdas, la cual redondea bien la canción. Llegó al puesto 22 de la lista de singles.

En "Roxy" se mantiene el tono de rock oscuro de las canciones, la orquestación tiene papel predominante y se presta a crear el ambiente siniestro requerido, atras han quedado las experimentaciones con efectos electrónicos de anteriores discos. Brillante.

La tonada contagiante y despreocupada del instrumental "Coffee in the pot" nos recuerda brevemente al Supergrass de 1994, para volver al presente con "Road to Rouen" y su funky instrumentación, "Kick in the teeth" es lo mas cercano que encontramos a un filler, sin embargo la guitarra le da la frescura suficiente como para hacer agradable su escucha.

Los dos últimas canciones del disco son los dos siguientes singles de promoción editados. "Low C" es una balada de características standart sin demasiado brillo comparada con las demás canciones del disco, mientras que "Fin" también es una balada con efecto en los vocales, una suave percusión y agradable melodía que le da un delicado final a un disco que encuentra a Supergrass intentando nuevos caminos y progreso en sus aspiraciones como artistas. Se puede hacer música "seria" sin ser aburrido. Este disco lo prueba.

Leer SUPERGRASS - ROAD TO ROUEN (2005) en Escribe sobre lo que escuchas

THE FLAMING LIPS - YOSHIMI BATTLES THE PINK ROBOTS (2002)

pologallagher — Sun, 01 Jul 2007 02:47:15 +0100

Los Flaming Lips es una banda estadounidense de rock alternativo que viene desde 1983 aproximadamente, quienes en 1999 cobran notoriedad en los círculos masivos de música debido al éxito de su disco "The Soft Bulletin". Editaron su nuevo disco en 2002 titulado "Yoshimi Battles the Pink Robots". Ambos discos si bien no necesariamente podríamos catalogar como música accesible para la FM o televisión, tienen suficientes argumentos en su música como para prestar atención a lo que hacen.

PREVIOS:
No quisiera clasificar o etiquetar la música de los Flaming Lips, pero de alguna manera en un blog escrito, considero positivo ayudar al lector a ubicarse un poco mas allá de la lectura, complejos arreglos, efectos psicodélicos, letras completamente ficticias y que por lo general no siguen narraciones convencionales, envuelto en una cadencia o tiempos medios.

DISCO:
El disco al parecer tiene la intención de ser un album conceptual, lo que a mi entender no se logra del todo, el personaje central viene a ser "Yoshimi", quien tiene que defender al planeta de los malvados "Pink Robots". Las características de los personajes así como su desarrollo solo puede verse reflejados en algunos temas, mas no tiene sentido coherente si vemos el disco en su totalidad. Las letras por lo general relatan experiencias ligadas con sentimientos, amor, odio, traición, decepción, melancolía, reflexiones sobre la vida y su duración, etcétera.

El disco tiene espacio para los experimentos sónicos de la banda, por lo que se incluyen los instrumentales "yoshimi pt2" y "approaching pavonis mons by ballon" por el cual ganaron un Grammy en el 2002.

Hay temas cuya belleza no puede pasar desapercibida, a pesar de estar lejos de nuestro concepto habitual de una canción "hermosa", temas como "In the morning of the magicians" con sus complejos tiempos, la línea de bajo marcando la melodía principal. No puedo dejar de mencionar "Are you a hypnotist?" con su suprema delicadeza, efectos vocales etéreos, la percusión compulsiva pero respetuosa de los ritmos a marcar, la majestousidad de los coros y arreglos que dan la impresión de orquestar grandilocuentemente la canción, llevandola a su pico, para luego volver a la simpleza del inicio.

"Do you realize" fue lanzado como primer single, con una enérgica guitarra acústica marcando las claves del tema, la sencillez de sus notas, va llevando y construyendo la canción acercándola a esa ya familiar grandilocuencia que pueden tener algunos temas de los Flaming Lips.

Hay temas que no terminan de cerrar sus intenciones, como "Ego tripping at the gates of hell" o "All we have is now".

Sin embargo, en balance podemos hablar de un disco que cumplió con creces sus expectativas después del éxito logrado con su anterior disco, y que terminaron de posicionar a los Flaming Lips principalmente en Europa como una banda respetada, consecuente con sus aspiraciones artísticas y con un legado muy interesante por conocer.

Leer THE FLAMING LIPS - YOSHIMI BATTLES THE PINK ROBOTS (2002) en Escribe sobre lo que escuchas