Salidos y formados en Londres aproximadamente en 1996, esta banda alcanzaría su encuentro con el mainstream aproximadamente en el 2000 con el éxito de su single "Yellow", habiendo editado previamente un par de EP en el circuito independiente londinense. Desde entonces esta banda no ha parado de sacar singles y discos exitosos en lo referente a ventas.

Previos.-
Su previo disco ttulado "A rush of blood to the head" editado en el 2002 resumía en su sonido todo lo que esta banda venía ofreciendo hasta entonces, melodías en notas graves, coros pegajosos y melodías fáciles de recordar con cierto aire nostálgico, lo suficientemente accesible como para acceder a los medios masivos, lo que se tradujo en importantes ventas. Tradaron 3 años en editar su siguiente disco: X&Y y las expectativas estaban nuevamente puestas en ellos.

Disco.-
Iniciamos con "Square one" y sus teclados introductorios y el ya familiar medio tiempo de sus temas. El interés en una producción "limpia" revela el sonido de una banda distinta a la de "parachutes" en el 2000 y sus previos ep, obviamente mucho mas "orgánicos" y menos pulidos. Sin embargo, esto no lo veo como un aspecto negativo. Sin mayores pretensiones que un dominante uso de teclados que le dan un aire gélido y futurista al tema y una adecuada guitarra por ratos, entregan un tema sólido. "What if" es principalmente martin y un piano, acompañado posteriormente por tímidas cuerdas y el resto de la banda, esta combinación, bastante predecible y ya escuchada de la banda se vería salvada por una melodía o una estructura con mayores sorpresas, lamentablemente este no es el caso. Es una canción correctamente ejecutada y no mucho mas. Al momento de escuchar los primeros acordes de "White shadows" siento que podría estar escuhando un solo tema, una suite sin separaciones, ya que las canciones escuchadas hasta ahora son muy similares en líneas generales. Llega unod e los singles "Fix you" que mantiene el tiempo medio del resto de temas, pero es salvado por la energética fuga de la canción, rompe el tiempo previo y descarga en guitarras y sección rítmica acompañando con energía los últimos versos.

"Talk" otro de los singles, copia o "samplea" de manera exagerada a "Computer love" de los alemanes de Kraftwerk, desde luego no pretendo hacer comparaciones entre ambas bandas, pero yo estoy tan familiarizado con la versión original que me cuesta mucho trabajo procesar objetivamente este tema, en todo caso, Coldplay suple con una correcta producción lo que carece de originalidad. "X&Y" nos va dando la seguridad de que el tiempo y estructura de las canciones no cambiará en gran medida, entonces me concentro en la melodía, y esta fluye con gracia, efectos vocales, el dramatismo necesario en los vocales de Martin sin caer en el frecuente error de ser intrusivo o muy protagonista, y una guitarra épicamente distorsionada, nos entrega esta canción, reamente una grata sorpresa, y necesaria, a esta altura del disco. "Speed of sound" fue el primer single, y para ser sinceros todavía no termino de entender porqué, pero su número 2 en Inglaterra y 8 en EEUU se encargan de contradecirme. Esta banda ha tenido singles de inicio mucho mas interesantes en el pasado.

"A message" tiene un inicio auspicioso, con el vocalista y una delicada sección acústica, pero pronto llega toda la grandilocuencia de cuerdas y todos los arreglos favoritos de Coldplay, "Low" acelera el ritmo acentuando la línea del bajo, la guitarra ingresa cuando la canción recoje un segundo aire, los teclados en su intento por generar un efecto ambiental (se afirma que Brian Eno fue una influencia para este disco, de hecho se le ha anunciado como el productor de su siguiente álbum)están por todas las canciones, sin ser brillante, el atrevimiento a salir del molde es bien recibido. "The hardest part" es otro single medio tiempo esta vez sin dramáticos cambios de ritmo, y nos devuelve a terrenos conocidos, agradable melodía y piano, pero nada perdurable. "Swallowed in the sea" nos obliga a escribir nuevamente que la estructura y ritmo se repite, pero vale la pena repetidas escuchas para poder apreciarla mejor. "Twisted logic" cierra el disco, lo cual agradezco. El acústico hidden track es agradable y merecería reemplazar a algunos de los temas "del disco". Admito haber llegado aburrido a este punto. Si ustedes amigos lectores del blog, han escuchado los singles y les han gustado, entonces es muy probable que les agrade el resto del disco ya que no hay mayores cambios. Rescato agradables sorpresas en "Swallowed in the sea", "Fix you", el "Hidden track" y "Low". Caso contrario les aburrirá como a mi.

Una de las bandas mas importantes que hayan salido de Gales, el recorrido de los Manics recorre todos los años 90's hasta la actualidad, desde su primer ep "new art riot" de 1990 hasta el "send away the tigers" del 2007, esta banda se las ha arreglado para poder mantener una base importantísima y numerosa de leales fans, mientras en su música se escucha el constante deseo de innovar sin importar lo que la crítica de la industria o hasta un sector de fans digan.

PREVIOS.-
1996 fue un año muy complicado para la banda, en 1995 uno de sus integrantes, el segundo guitarra y letrista Richey James Edwards había desaparecido en 1995, meses transcurrieron desde esa fecha y su cuerpo no ha sido encontrado a la fecha. El perder de esta manera tan frustrante a un amigo de infancia, al cual no pudieron nisiquiera hacer un funeral de cuerpo presente, obligó a la banda a decidir sobre el futuro de la misma. Evidentemente la decisión fue la de seguir adelante. El sonido del disco cambió en buena medida comparado con su anterior disco, el cual se tituló "The Holy Bible" (1994) que se caracterizaba por su sonido mucho mas rápido, visceral y oscuro, tanto en ejecución como en letras. "Everything Must Go" representó un sonido mucho mas melódico, agregando cuerdas y arreglos a los temas.

DISCO.-
"Elvis impersonator blackpool pier" arranca el album, con la sorna y burla característica hacia la decadencia cultural que encuentran a su alrededor, fuerza en los acordes de guitarra y un dinámico ritmo la hace la perfecta introducción al disco, empalmando sin respiro con el emblemático "A design for life" que hasta la fecha sigue siendo el tema que cierra todos sus shows. Elegantes y grandes arreglos de cuerdas le dan el toque de melodía y drama necesario a un tema cargado de emociones, muy recomendable y un clásico.

"Kevin Carter" es el siguiente tema y lleva el nombre del fotógrafo ganador del pullitzer que se suicidó debido a la presión y carga moral que le generó la foto que le hizo famoso.

El tema esta lleno de un rasgueo de guitarra que lleva el ritmo de todo el tema, la percusión precisa de Sean Moore permite a la canción cambiar de ritmo a uno mas agresivo con mucha soltura. En el medio un solo de trompeta ejecutado por el mismo Moore le da los argumentos necesarios a este tema para hacerlo imprescindible. "Enola / alone" simboliza lo que a mi me gusta de esta banda, grandes riffs de guitarras muy rockeras, vocales muy emotivas llegando al límite de sus capacidades, mas una base rítmica que acompaña la fuerza de las guitarras marcándole los tiempos, mucha fuerza en su ejecución, la cual es adecuadamente resaltada en la producción y mezcla. "Everything must go" es bastante clara en su letra "And I just hope that you can forgive us...but everything must go". Las cuerdas vuelven a apoyar y ser decisivas en el dramatismo de los acordes, dentro de una canción que tiene mucho dolor en sus letras, pero a la vez la fuerza necesaria para seguir adelante. El tiempo es marcadamente rápido y adecuado, lo que le permite librarse de ser calificado como una canción de lamento mas.

"Small black flowers that grow in the sky" y sus retorcidas letras dan el merecido cambio de ritmo al disco, pasando del frenetismo y emoción de los primeros 5 temas a un ritmo completamente acústico y pausado. Después de esta tregua llega el rasgueo inicial de "The girl who wanted to be god" que al cabo de unos segundos nos lleva a la grandiosidad de una masiva sección de cuerdas y guitarra eléctrica en un medio tiempo bastante agradable. Es de mencionar el muy correcto trabajo del bajo de Nicky Wire, quien además se encargó de la mayoría de letras del este álbum y de todos los demás temas en posteriores discos. "Removables" puede ser considerado lo mas cercano posible a un "filler", sin embargo "Australia" epitomiza rápidamente todos los méritos de este disco: un frenético y rápido ritmo y tiempo, inacabables riffs de guitarra eléctrica, un motor de ritmos en la batería de Sean Moore. En general un himno al poder de la guitarra, muy recomendable y creo que la pieza mejor lograda del disco.

"Interiors" sigue teniendo a las guitarras como protagonista principal aunque a un tiempo ligeramente mas pausado, minutos mas tarde llega "Further away" anunciando la masiva llegada de guitarras, y un aspecto pasado un tanto por alto hasta ahora, otro gran solo de guitarra ejecutado por James Dean Bradfield. Y es precisamente este guitarrista y vocalista de la banda quien inicia con unas bellísimas notas, las que se convertirán en casi una coda durante todo el tema siguiente "No surface all felling", sus sombrías letras y acordes, acompañados por el efecto de guitarra pesada de Bradfield así como de sus nuevamente emotivos vocales, nos hace desear que el disco dure mucho mas. Finalmente la banda remata haciendo la fuga con todos los instrumentos en efecto distorsionados, el bajo al máximo, la batería golpeando con mucha fuerza y con un solo monumental de Bradfield.

Se ha dicho en numerosas ocasiones que probablemente junto con "The Holy Bible" este sea el mejor disco de los Manics, finalmente eso es cuestión de gustos personales, pero como ustedes habrán podido leer, para mí es definitivamente un gran disco, muy recomendable para todo aquel que guste del rock y de todas las emociones y sentimientos que puede generar su ejecución honesta.

Amigos, si les interesó lo que leyeron, pueden bajar el disco gratis aqui.  Y si les gustó, por favor compren un original. Saludos.

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Paul McCartney no necesita mayor introducción, es muy fácil enterarse sobre su carrera tanto con los Beatles, con Wings y como solista hasta la actualidad, su influencia es muy difícil de medir por la grandeza de la misma en generaciones de músicos. Ahora revisaré el primer disco en solitario que grabó después (bueno, literalmente fue "durante") de la separación de los Beatles.

PREVIOS.-
Eran los inicios de 1970 y la separación de los Beatles era solo una cuestión de tiempo. McCartney sabía de esto y no tuvo mas remedio que aislarse en su casa y acompañado de una consola studer de 4 tracks, cargar todos los instrumentos que podía y ponerse a grabar. Semanas mas tarde, en abril de 1970 sale a la venta "McCartney", posteriormente conocido como "McCartney I" ya que en 1980 editaría "McCartney II".



DISCO.-
En este disco Paul toca todos los instrumentos y como es usual, compone y produce todos los temas. "The lovely linda" inicia y de manera instantánea nos percatamos de las intenciones de su compositor: este será un disco aparentemente simple en instrumentación, artesanalmente grabado, virtualmente con el micro conectado grabando directamente a la consola, personal, íntimo, cálido. "That would be something" y las notas graves de su riff blusero, dentro de su simpleza, logran un buen tema, de aquellos que deja el deseo de saber como sonaría con una mayor producción.

Similar línea a la anterior canción es la que sigue "Valentine day" siendo esta vez un instrumental, pero en esta ocasión bien podría pasar como un jam sessión o como un simple ensayo que fue grabado, nada que nos la haga recordar por un tiempo. Sin embargo "Every night" es una de esas típicas canciones de macca, con estribillos con bastante gancho, guitarra acústica marcando la melodía cantada con Paul en su voz de baladista, percusión cumplidora, no se le puede solicitar mucho mas a Paul en la batería. Hay posteriores versiones en vivo de la canción mejor ejecutadas, pero la versión de 1970 tiene toda la esencia y elementos de aquellas canciones McCartney destinadas a ser memorables y parte de muchas vidas.

"Hot as sun/Glasses", la primera es un hermoso instrumental ejecutado con bajo, batería, guitarra, órgano, percusión (tambores) y marimbas. Fue compuesta por Paul antes de unirse a los Beatles. "Glasses" no es mas que cerca de 50 segundos de distorsión y efectos sonoros generados por botellas de vidrio. Con suerte puede escucharse el sonido de puertas cerrándose, recordemos que McCartney grababa en su casa. "Junk" es una melancólica balada con Paul en la guitarra acústica, bajo, percusión y xilófono, compuesta en 1968 durante la etapa de meditación trascendental con el Maharishi, pero que recién pudo ser grabada aqui. "Man we was lonely" es una melodía con aires ligeramente country, cantada a dos voces con Linda, donde Paul hace interesantes efectos con su guitarra telecaster, apareciendo por los 2 speakers con milésimas de diferencia ejecutando las mismas notas. Tengamos en cuenta nuevamente que son efectos artesanales.

McCartney conoció a la música a través del rock and roll, y en "Oo you" nos lo hace recordar tocando muy buenos riffs de guitarra junto con una gran línea de bajo. Una voz grita en el fondo "rock n' roll springtime take one.." signifiza que empieza "Momma miss america" la batería empieza a marcar el ritmo de otro instrumental esta vez en tiempo de rock, lo cual agradezco. Nuevamente una magistral ínea de bajo, medio tiempo, efectos de guitarra muy bien logrados. "Teddy boy" fue compuesta teniendo en cuenta su inclusión en algún disco de los Beatles, de hecho hay versiones iniciales de este tema en las sesiones de Let it Be, siendo rechazada eventualmente. Se dice que este tema habla de John Lennon y la relación que este tenía con su madre. La melodía es de gran calidad y ya tenía una estructura trabajada, las notas no son difíciles de ejecutar, pero tienen mucha belleza, los coros de Linda son sorprendentemente efectivos añadiendo un toque exacto de melancolía y tristeza, definitivamente otro de los temas inolvidables del disco.

"Singalong junk" es la versión instrumental de "Junk", revelando toda la belleza de la melodía y tristeza de este tema, ayudado en gran medida por el sonido inolvidable del mellotron. Otro tema a tener en cuenta. Luego vendría el tema mas conocido del disco y posiblemente el mas logrado "Maybe I'm amazed". La honestidad en su letra, la emoción con la que es cantada y ejecutadas las melodías, el drama que imprime el piano a lo largo de toda la canción, el correcto solo de guitarra a la mitad, la voz central y los coros..todos los elementos convergen en uno de los temas mas memorables de la carrera de McCartney en solitario. Se cierra el disco con otro instrumental, "Kreen-akrore" esta vez mas largo con mas de 4 minutos. El nombre viene de una tribu nativa brasilera, de allí que este tema tenga marcados efectos tribales de percusión, sonidos de "animales" inspirados en la selva, el disparo de un arco y una flecha y notorios jadeos. Pura experimentación, una simpática anécdota en el catalogo de este músico.

Este disco llegó al número 1 en EEUU y al número 2 en UK y avisó al mundo que los Beatles ya eran historia.

Dadas las condiciones en las que fue grabado el disco, sin estudio de grabación disponible para hacer todos los overdubs y tomas que se deseara, y ejecutando el mismo todos los instrumentos que se oyen en el disco, así como las condiciones emocionales en las que se encontraba Paul al ver que los Beatles se desmoronaban, así como su relación con sus amigos de la infancia, puedo decir que se trata "McCartney I" de un esfuerzo bastante válido por hacer un manifiesto de sus capacidades artísticas, probar que era capaz de experimentar y elaborar armonías y sonidos de manera poco convencional. Pero sobretodo demostrándose a si mismo que podía haber vida después de los Beatles.

Si les interesó lo que leyeron pueden bajar el disco aqui. Si les gustó, por favor compren un original. Gracias.

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David Bowie es reconocido desde hace bastante tiempo como uno de los íconos mas respetados en la historia del pop, y bien merecido que lo tiene, decenas de discos, similar cantidad de giras, y mas allá de las cifras de ventas, calidad en la música y tendencias tanto visuales como musicales, que lo han hecho perdurar largamente en mayor medida que muchos de sus contemporáneos y otros que le siguieron.

PREVIOS.-
"Aladdin Sane" que no es otra cosa que un juego de letras para decir "A lad insane" viene a ser el quinto disco editado por David Bowie, el cual compone y graba en medio de la gira de promoción de su anterior disco "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the spiders from mars" y que lo había convertido en toda una estrella de rock. "Aladdin Sane está lleno de sus reflexiones y de la perspectiva que tenía ahora de la vida, la vida de una estrella llena de vicios y excesos.



DISCO.-
Tal y como habíamos mencionado, el disco le sigue a "Ziggy Stardust" aquel alienígena sexualmente ambiguo que creó Bowie, bandera de lo que se llamó mas adelante glam rock y años mas tarde "new romentics", pero todos bebian del agua que Bowie había iniciado en 1970 con Ziggy. Es este mismo personaje el que adorna la portada del disco.
Pero debo centrarme en este disco, el cual inicia con "Watch that man" y los riffs guitarreros de Mick Ronson totalmente influenciados por los Stones, lo cual le da el sonido que ustedes ya pueden imaginar. Si Jagger cantara esta canción tranquilamente podría entrar en el "It's only rock and roll" o en el "Goats head soup" por solo mencionar un par. Muy buen inicio.
En la canción que le da título al disco se pueden notar algunos de los elementos que diferencian a este disco de otros, el uso de un piano en tiempo jazzero, el cual da la impresión de estar inclusive en diferente clave y tiempo al de la canción y tocarse por separado a la misma, pero de momento en momento el piano vuelve con toda la banda para hacernos recordar que todo está preparado y que son unos genios. "Drive-in saturday" y las crónicas urbanas de sexo futurístico en un cinema bajo una melodía de rock lento de los años 50 con coros "doo-wop" de época, el cual llegó a ser single y llegó al Nº 3 en Inglaterra. "Panic in detroit" parece ser con su sonido crudo y percusión tribal uno de los favoritos entre los compradores de este disco por lo que he podido apreciar, sin embargo lo encuentro falto de propósito, sin una estructura que defina sus intenciones. Diferente reacción es la que me produce "Cracked actor", basándose en el riff de guitarra y la sección rítmica bien definida, acompañada de las crudas y descarnadas letras, nos entrega un rock mucho mas convincente.

El piano vuelve a cobrar protagonismo en los acordes medios de "Time", su dramatismo tanto en ejecución como en vocalización podría haberla ubicado entre los temas finales de "Ziggy..". Felizmente Ronson puede hacer un pequeño solo al final del tema, la cereza del postre. Una de las joyas de este disco. Tal como "Drive..", "The prettiest star" mantiene la melodía cincuentera finalizada con otro memorable solo de Mick Ronson. Una acelerada, glamorosa y energética versión de los Stones va a continuación "Let's spend the night together", definitivamente Bowie le da su toque personal este clásico. Mejor o peor que la original, eso queda a criterio de cada uno de ustedes. Yo me quedo con la orignal, pero por muy poco margen.

La recta final del disco nos presenta "The Jean Genie" y su ritmo ligeramente punk, guitarras bien afiladas y los bajos bien marcados le dan esa sucia ambientación en el buen sentido de la palabra, otra de las canciones a recordar en este disco. Bowie vuelve a ampliar la paleta de sonidos y repite la fórmula intentada en "Aladdin Sane" con resultados similarmente memorables, gracias a la ejecución de piano de Mick Garson.

Finalmente, David Bowie tomó el reto que se le presentó de tener que igualar o superar el éxito de Ziggy, para lo cual en vez de repetirse, amplió su paleta de sonidos añadiendo ritmos y estilos inéditos en su discografía, lo que impica tomar riesgos, lo cual de por sí ya es un gran mérito. No hay que olvidar que este mismo año, Bowie había editado "Pin-Ups" que era un disco de covers favoritos del artista, lo cual explica que mucho de ese sentimiento evocativo y deseoso de experimentación con ritmos que le eran familiares a lo largo de su vida, hayan aparecido en "Aladdin Sane". El disco está lleno de grandes canciones, con un par de temas que no cierran bien dentro del conjunto. Definitivamente no hablamos de un disco conceptual aqui, por eso es que quizá la comparación con Ziggy en injusta al tener este disco una sensación de mayor coherencia al ser precisamente conceptual. Sin embargo, "Aladdin Sane" representa la lucha de su creador por llegar mas "allá", el intento es válido y exitoso en balance. Recomendable.

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Inicio de una nueva década, y la llegada de nueva tecnología creaba las condiciones para la llegada de nuevos instrumentos y eliminaba las limitantes existentes en el estudio de grabación, permitiendo la llegada de bandas de lo que se conocería como rock progresivo, donde el virtuosismo musical era puesto a prueba en larguísimos tour-de-force, pero eso sería un poco mas adelante. Ahora estamos en 1970 y "Yes", una banda de las lllamadas progresivas buscaba editar su mejor disco.

PREVIOS.-
"The Yes Album" es el tercer disco de la banda, editado en 1970, a pesar de tener bajo sus espaldas dos buenos discos, su disquera (Atlantic) esperaba mas de ellos en términos comerciales. Este disco llegó al numero 7 en las listas de discos en Inglaterra. presentaba por primera vez la inconfundible guitarra de Steve Howe y presentaría por última vez a su tecladista Tony kaye, ya que en el siguiente disco aparecería Rick Wakeman.



DISCO.-
Son los primeros acordes de la guitarra de Howe los que nos reciben en "Yours is no disgrace" siendo uno de los mejores trabajos de guitarra que se puedan escuchar en el rock de los 70's, si a eso le sumamos el armónico y dinámico bajo de Chris Squire y los tiempos milimétricamente marcados del baterista Bill Brufford, tenemos una pieza en buena medida principalmente instrumental que nos invita a escuchar el resto del disco sin pensarlo mucho. El tecladista no gustaba mucho de usar los nuevos teclados y moogs que aparecían por ese entonces, prefiriendo el sonido de sus pianos y hammonds, lo que puede notarse perfectamente en este tema. La siguiente canción es un instrumental titulado "The clap", titulado originalmente "Clap" por su creador Steve Howe, pero que debido a una incorrecta pronunciación de Jon Anderson, se agregó el "The". Nombres aparte, el tema es un hermoso y memorable trabajo de guitarra, que nos demuestra en poco mas de 3 minutos, toda la fuerza, ritmo y armonía de la guitarra de Howe.

"Starship troopers" inicia con la característica técnica depurada de Chris Squire, dándole un sonido "power bass" durante toda la canción, al tema que sería uno de los clásicos de la banda hasta ahora y elemento casi obligatorio en sus conciertos. Si bien a estas alturas la banda aún no componía sus épicas canciones de mas de 20 minutos, el formato relativamente "corto" de los temas de este disco ayuda a presentar mayor variedad y fluidez de movimientos y a entender en mejor perspectiva los cambios en cada uno de los temas. "Starship troopers" se divide en 3 movimientos: life seeker, disillusion y wurm que es otra pieza instrumental, todos de alguna manera conservando la misma hilación e idea común denominadora: fuerza y armonía en la ejecución.

"I've seen all good people" se divide también en 2 movimientos: your move y all good people. La primera inicia con una intro a capella de la banda cantando el estribillo principal del tema, luego llegan las cuerdas acústicas de Howe para acompañar a Jon Anderson en una delicada, optimista y emotiva canción, la cual va elaborando lentamente para desembocar en all good people, que repite el estribillo cantado al inicio de la pequeña suite con la explosión de la banda en su conjunto repitiendo el estribillo con mucha mas fuerza y a un tiempo mas rápido.

"A venture" ofrece el gran trabajo en piano de Tony Kaye, instrumento que perdería cierto protagonismo con la llegada de Wakeman, y que de alguna manera sirve como respiro después de la fuerza y emoción de "Starship.." y "I've seen...". Finalmente el disco cierra con "Perpetual change" que de alguna manera nos termina de recordar nuevamente, el virtuosismo de cada uno de sus integrantes, dinámicos cambios de ritmo, así como la facilidad para poder darse el espacio suficiente y poder brillar por separado en sus ejecuciones y al mismo tiempo dar la idea de conjunto.

Las letras de Anderson nunca han sido mi primera elección por que no termino de entenderlas, quizá esa sea el objetivo. Espero haya otro s con mejor capacidad de asimilación que yo. De todas maneras, a mi entender Yes siempre ha sido para ser tomado en cuenta por su música, y ya estamos hablando de cosas mayores.

En definitiva, el primer gran disco de esta banda, vendrían otros tan buenos o mejores que este, pero el que tengo en mis manos y que acabo de terminar de escuchar nuevamente, es indispensable. Veremos si cuando lo escuchen opinen lo mismo.

Nota: la banda ha sacado en repetidas ocasiones remasters, ediciones especiales, etc, de su catálogo. Sin embargo yo me quedo con la edición original, el primer remaster, sin bonus tracks.

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Lindsey Buckingham es conocido por ser guitarrista de Fleetwood Mac, mas no por su carrera como solista, la cual inició en 1981, pero que a la fecha solo ha consistido en 4 discos: Law and Order (1981), Go Insane (1984), Out of the Cradle (1992) y Under the Skin (2006).

PREVIOS.-
Lindsey Buckingham se unió a Fleetwood Mac en 1975 junto a Stevie Nicks, protagonizando la etapa mas exitosa tanto comercial como artística de la banda. Esta etapa llegaría hasta 1982 en la que editan "Mirage" con aceptable éxito y que contó con solo una breve gira de promoción por los Estados Unidos. Posteriormente los miembros de la banda se dedicarían por un tiempo a sus proyectos personales. En 1984 Buckingham edita su segundo disco como solista "Go Insane".



DISCO.-
Buckingham siempre fue identificado por ser uno de los principales generadores de ideas dentro de Fleetwood Mac, donde hacía las veces de arreglista y productor en cada uno de los discos que ejecutó con la banda, mostrando siempre inquietud por explorar nuevos sonidos, lo cual creaba tensiones dentro de la banda. De todas maneras, Buckingham como solista intentó explorar estos nuevos sonidos con técnicas de grabación sui-generis, instrumentación exótica y efectos vocales e instrumentales.

El sonido de un despertador inicia "I want you", un tema de tiempo rápido, con un teclado con sonido cuasi caribeño y una tonada bastante ligera, abre sorpresivamente este disco. Siendo 1984 no es de sorprender el sonido general del disco, Buckingham decidió tocar nuevamente todos los instrumentos, y ahora la tecnología le permitía ejecutarlos desde teclados y samplers. Por lo que el sonido de la batería por ejemplo proviene desde una Lynn drum machine y su característico sonido ochentero. "Go insane" va a continuación, la letra del tema refleja la constante en las letras de Buckingham, tribulaciones de tendencias existencialistas, fantasmas internos y su incapacidad para afrontarlos, llevandolo al borde de la locura "I lost my powers in this world, and the rumours are flying, so I go insane, like I always do". Fué el primer single de promoción y llegó al puesto 23 en los Estados Unidos.

Una tonada mas pausada y mejor trabajada se presenta en "Slow Dancing". La producción del disco opaca en alguna medida el trabajo de guitarra de Buckingham, que siempre ha sido punto de admiración con este músico, los riffs que ejecuta en esta canción son precisos y marcan la melodía adecuadamente. "I Must Go" trae las influencias vocales de pop californiano en los coros que tanto agradan a Lindsey.

"Play in the rain" y "Play in the rain (continued)" servían como conexión entre los lados A y B del disco en su edición original de vinilo, seguramente para dar idea de continuidad. No es mucho mas que una serie de efectos incidentales de estudio, marcados por Buckingham repitiendo incesantemente "Oh I was lonely, can we play in the rain....".

Luego llega "Loving cup" que tiene un bienvenido trabajo de varias capas de guitarras, haciendo su sonido mucho mas prominente, punteos y riffs magistralmente ejecutados, junto a un fraseo mas agresivo, hacen a este tema el mas sólido en estructura y arreglos en lo que va del disco. "Bang the drum" y "D.W. Suite" cierran el disco, y es como si Buckingham hubiera guardado las municiones pesadas para el final, ya que es aqui donde llegan las sorpresas.

En el primer tema, un melancólico intro de teclados y efectos vocales acompañan la sensación de fragilidad y vulnerabilidad de las letras susurradas. El tema va elaborando lentamente una serie de capas vocales de coros, la batería con rigor casi marcial y los teclados marcando una delicada melodía presentado con un trabajo de arreglos y producción meticuloso e impecable. Así llegamos al último tema, el cual como su título lo refiere, es una suite al estilo clásico de las bandas progresivas, dividiéndola en 3 capìtulos "the wish", "the prayer" y "the reflection". Inicia con el sonido de un arpa la cual cede el paso con efectos de flauta a una marcha, seguidamente y sin pausa se samplea con sonido distorsionado lo que es la presentación de Ed Sullivan a los Beatles en alguna de sus presentaciones, Buckingham casi recita a manera de oración algunos versos haciendo alusión al final de la vida terrenal y al inicio de otra en otro plano de espacio, aparecen nuevamente las arpas acompañando a Buckingham diciendo "The closing of a chapter, the opening of a door, brings forth life where there was no life before" para que el sonido de campanas dé inicio nuevamente a una marcha que nos acompañe a la otra vida, un cierre espectacular y majestuoso.

La oscuridad y el dolor reflejados en sus letras, la necesidad de experimentar con nuevos efectos y recursos que ofrecía entonces la tecnología, sumado a la capacidad de Buckingham para la producción y ejecución de guitarras y demás instrumentos, hacen de este disco uno que no puede ser procesado rápidamente, hace falta un poco de tiempo para poder entender mejor las intenciones e ideas de su creador. Creo que el resultado si bien es positivo en balance general y llega a picos bastante altos de performance hacia el último tercio del disco, también presenta canciones que no llegan a convencer del todo, sobretodo en la primera mitad, sin personalidad suficiente como para saber si son intentos por acercarse a un público masivo, siendo al mismo tiempo ejercicios de experimentación, no alcanzando ninguno de los dos objetivos.

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Mascott es el seudónimo de la banda cuya principal protagonista es una cantautora estadounidense se nombre Kendall Jane Meade, autora de todos los temas de la banda que regularmente la acompaña en presentaciones en vivo.

PREVIOS.-
Mascott es una banda indy cuya música podríamos calificar como pop/rock/folk. Después de un par de discos el tercero en llegar es Dreamers Book, editado para el sello independiente Red Panda Records en el 2004 y es el disco que escucharemos a continuación.



DISCO.-
El primer tema del disco da la pauta respecto al sonido que escucharemos a lo largo de los 44 minutos que aproximadamente dura "Dreamer's Book". La cálida y suave voz de Kendall es buena compañía para la calma y hermosa instrumentación de este tema. "L.O.V.E" es la segunda canción y no defrauda, con algunos efectos electrónicos al inicio, los cuales no distraen sino mas bien siguen el sonido de la frágil melodía principal delicadamente ejecutada nuevamente por la banda. 2 minutos inolvidables.

A continuación llega la canción que le da título al disco, la cual sigue la pauta dejada por las anteriores canciones. "Time Waits" disminuye las revoluciones, efectos electrónicos generan un ambiente de ecos y reverberaciones que se suceden, sonoramente un tema muy bien logrado. Las guitarras vuelven al protagonismo cedido a los efectos de estudio en "Turn off / Turn on" llevando la melodía principal y ejecutando la mejor canción del disco hasta el momento. Sin embargo una vez que se pueden escuchar los ligeros acordes de guitarra barítona que anuncian el inicio de "Kite" me hace dudar de lo que acabo de afirmar. El tiempo de la melodía y la delicadeza de la ejecución vocal encuentran compañía mútua, y al cabo de 2:20 hemos decidido que quizá no es la canción mejor estructurada y elaborada del disco, pero es aquella que por su hermosura y aparente simpleza se quedará en nuestra cabeza por mucho tiempo.

"The Write-up" continúa susurrando sus letras en nuestros oídos en otro tema a medio tiempo, "Off Blue Richmond" es un instrumental, "Off Blue" es un tema folk, con voz, guitarra acústica y una pequeña sección de violin y cello. Hasta este momento hemos recibido canciones que por lo general han compartido tiempos similares, sin embargo, la banda puede arreglárselas para presentárnoslas con diferentes envolturas, entiéndase instrumentaciones, como es el caso de "Worry on Smith", cuyas melodías, acompañadas por la banda completa nos deja otra canción que puedo citar como una de mis favoritas.

"Martyr's Tune" acelera el tiempo de la canción, lo cual permite un mayor lucimiento de la base rítmica de Mascott, dando el soporte necesario para el resto de instrumentos. "Song from a dream" el último tema del disco presenta una coda "and we all go down to dust..." desvaneciéndose lentamente, reflejando de alguna manera el espíritu calmo y reflexivo del disco.

El estilo vocal de Kendall es peculiar, ya que no solamente se apoya en su correcto afinamiento y naturalidad para llegar a las notas requeridas, sino que el estilo es cálido, personal, una historia que va siendo contada con cierto nivel de intimidad, es la sensación que deja el disco en líneas generales. Ideal compañía para esas tardes en las que un poco de tranquilidad es bienvenida.

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Banda de rock británico formada en 1970, que en sus inicios mezclaba en similares proporciones hard rock e influencias marcadas de ópera, lo que sumado a la potente voz de su vocalista, daba un aire dramático a sus canciones cuando lo deseaban, sin dejar de imprimirle fuerza.

PREVIOS.-
Esta histórica banda ya había editado su primer disco autotitulado con regulares resultados de ventas. Seguidamente y con el apoyo de las presentaciones en vivo, la banda fue ganando una fase importante de fans y se embarcaron en la grabación de su segundo disco, al que llamaron simplemente "Queen II".



Es de mencionar la portada de este disco, por la que debido a su calidad, no es difícil imaginar que llegaría al status de legendaria y convertirse en ícono de la banda, llegando a ser utilizada en repetidas oportunidades a lo largo de su carrera.

DISCO.-
El disco inicia con la introducción breve de "Procession" que es un solo de guitarra de May, en la que revela la peculiaridad de su sonido, único en el mundo. Es de resaltar, que en este track no hay sección de cuerdas, todos son canales de guitarras. Se empalma con "Father to son", un rock fuerte mezclado con vocales influenciados por ópera y ágiles cambios de ritmo. El trabajo de guitarra por lo general tiene riffs pesados, perfectamente ejecutados. Seguidamente llega "White Queen", un tema mas calmo después del frenesí y fuerza impresa en el anterior track, donde el protagonista es la voz de Mercury. La calma solo dura algunos segundos, ya que lentamente van elaborando lo que desencadena en un gran solo de guitarra y acompañamiento de toda la banda, para rematar nuevamente solo con la voz de Freddie.

"Some day one day" es una composisicón de May y cantada por el mismo, la melodía principal es llevada por una guitarra acústica, y sería lo mas parecido a un tema folk que encontremos en este disco, ya que acompañamientos como los grandes coros y la meticulosa guitarra eléctrica diseminada por varios canales del tema, lo alejan de toda denominación que pudiera acercarse a una canción folk. A continuación llega "The Loser in the End", un rock pesado cantado por Roger Taylor, cuya rasposa voz calza perfectamente con esta canción.

"Ogre Battle" de Mercury, inicia el "Black side" del disco, ya que la primera parte se le conoció como "White side", usado en vez de los convencionales "Side A" y "Side B". Este tema tiene riffs de guitarra bastante pesados haciendo recordar y ver la influencia de bandas como Black Sabbath en esta etapa de Queen. Son acompañados por la batería y el bajo de John Deacon quienes ejecutan sus notas con la velocidad y precisión requerida por el dinámico tiempo de la canción. "The Fairy Feller's Master-Stroke" y su barroco sonido acompañan seguidamente en forma de suite. Las delicadas notas de "Nevermore" van a continuación, y en buena medida es un ejercicio vocal de la banda, apreciándose el sonido operático que podía dar Queen a sus coros, gracias a los diferentes rangos de voz de sus integrantes.

A lo largo de este artículo hemos venido haciendo referencia repetida a las influencias operáticas que tenía Queen y que la diferenciaban de las demás bandas, bueno pues, estos rasgos se expresan en su totalidad en "The March of the Black Queen", donde los cambios de ritrmo son rápidos, la coordinación de los vocales principales y corales es muy dinámica, mientras que le estructura de la canción parece dividirse en actos debido a la diferencia entre sus notas y melodías. Estamos ante mi entender ante el mejor tema del disco y uno de los mejores de toda la carrera de la banda. Tiene todos los elementos que han hecho a Queen una de las mejores de todos los tiempos.

Finalizando el disco viene "Funny how love is" mucho mas ligero en música y letra que el resto del disco y cierran con lo que fue el single de promoción "Seven seas of rhye" llegando al puesto 10 en Inglaterra.

En resúmen, este disco si bien tiene semejanzas con su antecesor en lo que respecta al sonido e intenciones generales, "Queen II" está mejor logrado, los temas son mucho mas fuertes, mas dramáticos y oscuros cuando se lo proponen y pesados y rockeros cuando lo desean también. No hay temas que se puedan considerar fuera de contexto, nisiquiera "Funny How love is" que es lo mas cercano al pop aquí. Como disco en conjunto, demuestra unidad y coherencia en sus intenciones, las cuales se ven mucho mas claras. Recomendable.