La última vez que The Who había sacado un álbum era 1975 (By numbers), y para el momento de la llegada de "Who are you" el mundo de la música ya era un lugar distinto para esta veterana banda.

PREVIOS.-
En 1978 el punk estaba en vigencia aún y no dudaba en tildar de dinosaurios a cualquier banda que hiciera música por mas 5 años, cuyas canciones fueran de mas de 3 minutos e igual número de acordes. Si bien "The Who" no epitomizaba el odio de los punk como lo hacían las bandas de rock progresivo, se encontraba en la necesidad de actualizar sú música, reordenar su posición dentro de la música popular, manifestar sus intenciones de manera clara y no quedar como algo del pasado. Al menos así lo sentía Pete Townshend.



DISCO.-
Pete por lo general basaba sus letras en las constantes tribulaciones en las que se encontraba, y este disco no es la excepción, y "New song" trata sobre lo comentado en el párrafo de previos, así como le eterna y tensa relación que llevaba con sus propios fans, mucho sentido de autocrítica y autocondescendencia se puede oír en la voz de Roger Daltrey "Yo escribo la misma vieja canción que ya has escuchado varias veces, admite que realmente quieres escucharla.......donde sea que te veo siempre me tratas como si fuera un hombre perfecto, solo porque te complazco...". El poderoso bajo de John Entwistle se escuchará claramente durante todo el disco, el complejo trabajo de guitarra y la agrasiva performance vocal de Daltrey le dan un muy buen inicio a este disco.

"Had Enough" le sigue, y presenta un uso prominente de sintetizadores, del cual Pete era casi un pionero al haber añadido programación de sintetizadores ARP en 1971 en el disco "Who's next". Una orquestación se puede oír también en este tema, los arreglos vocales con ese característico contrapunteo de voces entre Pete y Roger están muy bien terminados. El trabajo de batería tan solo es cumplidor para los estándares de Moon, es de recordar que su estado de salud ya estaba muy deteriorado a estas alturas. El fallecería dos semanas después del lanzamiento del disco.

"905" es la segunda contribución en el disco de John Entwistle, la primera había sido "Had enough". "Sister disco" inicia con una intro vocal de Roger junto con sintetizadores programados, en manera similar a los que escuchamos en Quadrophenia y Who's Next. Los vocales son compartidos con Pete, quien afirmó que el trabajo de sintetizadores y programación de los mismos para esta canción fue extremadamente complejo. "Music must change" presenta un tiempo de 6/8 el cual no pudo ser ejecutado por Keith Moon, por lo que la batería tuvo que ser retirada del track. Posteriormente en las giras que la banda hizo en los 80's con Kenney Jones en batería, este tema se tocó como se había planificado inicialmente, y con mejores resultados que los presentados aquí. Sin embargo los vocales de Roger son grandiosos, dejandonos oír el rango de su voz en su amplitud.

"Trick of the light" es la última canción de Entwistle para este disco, en esta ocasión a mi parecer los temas de Entwistle, salvo "Had enough", no estaban a la par del material presentado por Pete.

A continuación se escucha "Guitar and pen", el cual contiene toda la estructura, fuerza, complejidad y contundencia de un clásico tema de la banda, inclusive la percusión de Keith momentáneamente vuelve a ser la rabiosa batería que lo hizo famoso como el mejor baterista de rock del mundo. El disco prosigue con "Love is coming down", una épica canción la cual debe ser una de las mejores canciones de la banda, en medio tiempo, una orquestación y trabajo de sintetizadores perfecto creando el dramatismo necesario para provocar la performance vocal de Roger, la sección rítmica marcando el ritmo, en resumida cuenta, un tema completamente redondo.

Cerramos el disco con "Who are you" el clásico tema de la banda y que le da su título al disco, no hay mucho mas que decir respecto a esta canción que no hayamos escuchado ya, sin embargo mención especial merece el solo de guitarra acústica que Pete ejecuta. En todo disco de la banda hasta este punto de sus carreras, es ineludible también resaltar que la sección rítmica compuesta por John y Keith debe haber sido una de las mas poderosas del rock de todos los tiempos, y si bien en este disco Keith no presentó su mejor trabajo, es suficiente para haber logrado un disco bastante aceptable como este, en el cual podemos dividir en 2, una primera mitad conformada por temas que irían en la vena de lo que sería el futuro material de la banda, un poco mas cerca del wave que del rock pesado o "maximum rhythm and blues" como le llama Pete. Mientras que la segunda mitad es un disco con el sonido típico de la banda, completamente clásico The Who.

Este disco fue remasterizado en 1996, conteniendo algunos bonus track: "No road romance" demo de un delicado tema cantado por Pete, grabado para las sesiones de "Who are you" pero dejado de lado. "Empty glass", otro demo que no llegó al disco, sin embargo se convertiría en el tema principal del disco solista de Pete editado un par de años mas tarde. "Guitar and pen" una mezcla alternativa de la canción hecha por Glyn Johns, presenta un trabajo mas prominente de guitarra. "Love is coming down" un demo del tema todavía en construcción y "Who are you" con un verso adicional.

Este disco no va precisamente como la primera opción para aquel que quiere escuchar por primera vez a esta banda, sin embargo sigue siendo bastante recomendable.

Despues de varios años sin mayor fortuna comercial con sus primeros discos como solista, Billy Joel logra éxitos de venta con "The Stranger" editado en 1977, convirtiéndose desde entonces en uno de los compositores mas importantes e influyentes de música pop a nivel mundial.

PREVIOS.-
Ya para 1982, Billy Joel era un pianista-compositor-productor de reconocida fama a nivel mundial, con singes y discos en primeras posiciones de venta cada vez que lanzaba algún disco. Ese año, sufre un accidente de motocicleta que le fractura la mano izquierda y le produce serias heridas en la espalda, por lo que la producción de su disco prgramado para ese año tiene que ser retrasada.

Meses mas tarde edita "The Nylon Curtain", en lo que es considerado por un sector de sus fans y críticos por su album mas ambicioso y mas influenciado por los Beatles, lo cual no ha sido negado por Joel, todo lo contrario.



DISCO.-
Empieza con las sombrías letras de "Allentown", describiendo a la sociedad estadounidense y la pobreza y decadencia de un sector de la misma, específicamente el sector manufacturero de la ciudad de Allentown. Eel efecto vocal doble de reberberación hace recordar bastante a los discos solistas de John Lennon y se puede oír en casi todo "The Nylon Curtain". Fué el primer single de difusión y llegó al número 17 en EEUU. La acompasada melodía es llevada principalmente por el piano y tiene todos los elementos de un correcto single. Luego viene "Laura", quizá una de las Beatle-influenciada del disco, reflejado en la estructura y cambio de acordes, así como las armonías vocales. El consumo de sustancias ilegales es la temática del tema, la cual acompañada de una correcta orquestación, los acústicos efectos en la batería de Liberty de Vitto, y la melancólica melodía hacen de este tema uno de los mejores y mas logrados temas del album.

Los tiempos marcados firmemente por la batería nos hacen recordar que empieza "Pressure", otro de los cortes de difusión del disco. Aqui son los sintetizadores y las guitarras las que se encargan de darle un sonido mas acelerado y vagamente mas wave al tema. En los "puentes" vemos nuevamente a los Beatles. Correcto tema. Luego viene "Goodnight Saigon", intenta ser una épica referida a la guerra de Vietnam y a las penurias y olvido de los caídos en una guerra sin sentido, como todas las guerras. Solo para los interesados.

Viene seguido "She's right on time", canción pop convencional pero estructurada de manera que se hace bastante entretenida de escuchar, además de venir con un divertido video promocional, esto último de manera casi anecdótica. En similar vena se escucha a "A room of our own" y las diatribas de vida conyugal de Billy Joel, quien para este entonces estaba en proceso de separación de su primera esposa. Consigue el mismo efecto logrado en la canción anterior. Vale la pena mencionar la animada performance y solo de órgano de Billy.

A estas alturas, escuchar temas como "Surprises" y "Scandinavian Skies" no constituyen ninguna sorpresa, su bien lograda estructura, secciones de cuerda y tiempos hacen recordar bastante a los Beatles, específicamente en su etapa psicodélica, sin que esto constituya un demérito, en absoluto. Dos temas muy bien logrados, medio tiempo, melodías inapelables sin caer en facilismos. Prestarles atención.

El disco cierra en una forma mas convencional com "Where's the orchestra?", principalmente Billy y su piano acompañado de un acordeón y una sección de cuerdas. Nos recuerda a Billy Joel el pianista de "The Stranger" y "52nd Street". Una melodía delicada que nos deja como última impresión una sensación de tranquilidad, después del frenesí de sonidos de los temas que dan forma a este disco, personalmente considerado como el mejor disco de este estadounidense, coherente en toda su propuesta, con una personalidad de sonido bastante clara desde el comienzo y sin temor de expresarlo. Muy recomendable y definitivamente digno de interés.

Supergrass es una banda de rock proveniente de Oxford - Inglaterra, cuyo album debut data de 1994. Su música de alguna manera puede ser influenciada en términos muy generales con una mezcla de Kinks, The Who y los Buzzcocks. Punk con letras satíricas y ocasionales estructuras provenientes del rock progresivo de inicios de los 70's.

PREVIOS:
Road to Rouen es el quinto disco de la banda (sin contar su disco compilatorio), la cual venía precedida de un declive en ventas en relación a su punto mas alto de popularidad de la mano con el auge del Britpop en la primera mitad de los años 90's. La discografía de la banda nos muestra a un grupo que con cada disco presentaba mayor interés por las estructuras mas complejas y un carácter mas "serio" en sus temas, si los comparamos con los singles de sus primer disco. Ejemplo: caught by the fuzz, alright, lenny. Así después de una para de 3 años, llega "Road to Rouen".



DISCO:
Este disco, a diferencia de sus antecesores, presenta menos canciones, pero con estructuras mas complejas y mayor duración en su ejecución. Así empezamos con "Tales of endurance parts 4, 5 & 6" que nos sugiere no solo por el título sino por el contenido mismo del tema, una estructura tipo suite eminentemente de corte progresivo. Durante todo el tema se repite compulsivamente un riff de guitarra el cual es adecuadamente acompañado por una acentuada línea de bajo en la mezcla final. Quisiera escuchar las demas partes de la canción, ya que da la impresión de no estar completa. Luego viene el primer single "St. Petersburg", un tema poco usual para ser single, notas graves, tonada melancólica y de medio tiempo que no me imagino en el top chart inglés de estos días. Sin embargo, presenta una correcta sección de cuerdas, la cual redondea bien la canción. Llegó al puesto 22 de la lista de singles.

En "Roxy" se mantiene el tono de rock oscuro de las canciones, la orquestación tiene papel predominante y se presta a crear el ambiente siniestro requerido, atras han quedado las experimentaciones con efectos electrónicos de anteriores discos. Brillante.

La tonada contagiante y despreocupada del instrumental "Coffee in the pot" nos recuerda brevemente al Supergrass de 1994, para volver al presente con "Road to Rouen" y su funky instrumentación, "Kick in the teeth" es lo mas cercano que encontramos a un filler, sin embargo la guitarra le da la frescura suficiente como para hacer agradable su escucha.

Los dos últimas canciones del disco son los dos siguientes singles de promoción editados. "Low C" es una balada de características standart sin demasiado brillo comparada con las demás canciones del disco, mientras que "Fin" también es una balada con efecto en los vocales, una suave percusión y agradable melodía que le da un delicado final a un disco que encuentra a Supergrass intentando nuevos caminos y progreso en sus aspiraciones como artistas. Se puede hacer música "seria" sin ser aburrido. Este disco lo prueba.

Los Flaming Lips es una banda estadounidense de rock alternativo que viene desde 1983 aproximadamente, quienes en 1999 cobran notoriedad en los círculos masivos de música debido al éxito de su disco "The Soft Bulletin". Editaron su nuevo disco en 2002 titulado "Yoshimi Battles the Pink Robots". Ambos discos si bien no necesariamente podríamos catalogar como música accesible para la FM o televisión, tienen suficientes argumentos en su música como para prestar atención a lo que hacen.

PREVIOS:
No quisiera clasificar o etiquetar la música de los Flaming Lips, pero de alguna manera en un blog escrito, considero positivo ayudar al lector a ubicarse un poco mas allá de la lectura, complejos arreglos, efectos psicodélicos, letras completamente ficticias y que por lo general no siguen narraciones convencionales, envuelto en una cadencia o tiempos medios.


DISCO:
El disco al parecer tiene la intención de ser un album conceptual, lo que a mi entender no se logra del todo, el personaje central viene a ser "Yoshimi", quien tiene que defender al planeta de los malvados "Pink Robots". Las características de los personajes así como su desarrollo solo puede verse reflejados en algunos temas, mas no tiene sentido coherente si vemos el disco en su totalidad. Las letras por lo general relatan experiencias ligadas con sentimientos, amor, odio, traición, decepción, melancolía, reflexiones sobre la vida y su duración, etcétera.

El disco tiene espacio para los experimentos sónicos de la banda, por lo que se incluyen los instrumentales "yoshimi pt2" y "approaching pavonis mons by ballon" por el cual ganaron un Grammy en el 2002.

Hay temas cuya belleza no puede pasar desapercibida, a pesar de estar lejos de nuestro concepto habitual de una canción "hermosa", temas como "In the morning of the magicians" con sus complejos tiempos, la línea de bajo marcando la melodía principal. No puedo dejar de mencionar "Are you a hypnotist?" con su suprema delicadeza, efectos vocales etéreos, la percusión compulsiva pero respetuosa de los ritmos a marcar, la majestousidad de los coros y arreglos que dan la impresión de orquestar grandilocuentemente la canción, llevandola a su pico, para luego volver a la simpleza del inicio.

"Do you realize" fue lanzado como primer single, con una enérgica guitarra acústica marcando las claves del tema, la sencillez de sus notas, va llevando y construyendo la canción acercándola a esa ya familiar grandilocuencia que pueden tener algunos temas de los Flaming Lips.

Hay temas que no terminan de cerrar sus intenciones, como "Ego tripping at the gates of hell" o "All we have is now".

Sin embargo, en balance podemos hablar de un disco que cumplió con creces sus expectativas después del éxito logrado con su anterior disco, y que terminaron de posicionar a los Flaming Lips principalmente en Europa como una banda respetada, consecuente con sus aspiraciones artísticas y con un legado muy interesante por conocer.

Bajo riesgo de parecer parcializado, iniciaré estas líneas afirmando que sea cual sea la música que escuchas, sea que te gusten o no los beach boys, este disco es capital para la cultura musical y general de cualquiera. Particularmente, no me gustan demasiado los discos de los Beach Boys, de hecho varias de sus armonías las encuentro muy dulces, un tanto empalagosas, bordeando cursileria a mi gusto. Sin embargo, "Pet Sounds" (Capitol 1966) llegó en un momento clave para la banda y para la música en general. Un disco que cambio la vida de sus autores, y la de muchos alrededor y lejos.

Previos:
Era 1966 y Brian Wilson tenía muchas inquietudes pasando por el, los Beatles editan Rubber Soul y epitomiza todos los fantas mas y temores que el había venido teniendo. Ese disco lo consideraba fantàstico, y el tenía que sacar un disco mejor. Ya para este entonces, la idea de salir de gira no lo emocionaba y dejó que sus hermanos y el resto de los Beach Boys salgan de gira mientras el se dedicaba a perfeccionar en el estudio lo que sería Pet Sounds. Paul Mc Cartney mancionó que God Only Knows debe ser la mejor canción escrita, mientras que el disco ha salido innumerables veces en los polls de distintas revistas a nivel mundial como uno de los mejores discos de la historia.



Disco:
El disco empieza con "Wouldn't it be nice" cantada por el mismo Wilson, cuya simpleza, alegría y armonías vocales perfectas, la convierten en la introducción prefecta para el cúmulo de sonidos que tenemos por en los siguientes minutos. "You still believe in me" le sigue y debido a su tiempos mas pausados, nos permite apreciar con aún mas detalle la instrumentación que rodea la relativamente simple melodía principal, usando las voces como otro instrumento. Muy emocional y perfecto. Similar cadencia podemos encontrar en "Don't talk".

Wilson utilizó músicos de estudio para las sesiones del disco, haciendo uso de las entonces muy recientes consolas de grabación de 8 tracks AMPEX. La técnica usada en pocas palabras era grabar los instrumentos en consolas de 4 tracks, las cuales mezclaba y cuyos futuros arreglos, orquestaciones y demás dubbings eran ya realizados en los 8 tracks. Los demás integrantes de la banda llegaron de la gira cuando las pistas base de los temas ya estaban avanzados, añadiendo las partes vocales únicamente.

Los temas fueron finalmente mezclados en monoaural, no en stereo, debido a una serie de posibles motivos: la mejor performance del sonido mono para los efectos sonoros que buscaba Wilson, las radios y televisores de entonces reproducían sonido mono aún y al parecer la parcial sordera en un oído que tiene Wilson.

Se sabe que al escuchar las pistas grabadas, los demás miembros de la banda no tenían tanta fé en el proyecto como Brian, ya que era un gran cambio y avance en comparación con los temas que estaban acostumbrados a grabar. Estas nuevas canciones representaban un gran riesgo, tanto artístico como financiero para la banda.

Temas de folklore caribeño como "Sloop John B" fue uno de los primeros temas grabados, a sugerencia de Al Jardine, y fue uno de los singles mas exitosos del disco, su ritmo contagiante, perfecta instrumentación y vocales a lo Beach Boys con la voz principal característica de Mike Love, seguro fueron de ayuda.

Mención aparte para "God Only Knows" cantada por Carl Wilson, su melódica línea de bajo, los vocales cantados a la perfección, etc.
El resto de temas del disco vienen llenos de agradables melodías, "Here today" inicia va desarrollando de un vocal y órgano al sonido característico de la banda en sus temas mas playeros, es importante notar la facilidad de cambios de tiempo en este tema. Mientras que "Caroline No" es posiblemente la mejor melodía que la voz de Brian Wilson le haya podido permitir entonar.

En definitiva, no es difícil imaginar que este es uno de los discos capitales de la música popular, sea cual sea el estilo o los estilos de música que nos guste, siempre podremos aprender algo de "Pet Sounds".

La inevitable idea con la que me topé al querer sentarme a escrbir en el blog fue: y ahora con que disco empiezo?. Admito que mi solución fue tomar practicamente el disco que tenía a la mano entonces. Y aqui voy:

Previos:
Quisiera iniciar poniendo algunas cosas en contexto, llega 1979 y la banda había sacado previamente el disco "Rumours" en 1977, con las millonarias ventas que supuso, la fama, el dinero y la miseria que también acompañaron. Las dos parejas dentro de la banda se separaron o estaban en proceso de separación, decidieron seguir y la disquera presionaba para la salida del nuevo disco. Lindsey Buckingham no tenía pensado volver a copiar Rumours, decidió ir al lado contrario, y lo hizo. Lanzaron TUSK.



Disco:
Dentro de la banda habían 3 compositores (Buckingham, Stevie Nicks y Christine McVie), cada uno con un estilo distinto, pero la dirección del disco y la mayoría de temas eran de Buckingham, los cuales podemos decribir como una mezcla de punk y new wave con sonido garage semi artesanal. Ejemplos podemos encontrar en canciones como: the ledge, not that funny, what makes you think you're the one, I know I'm not wrong, etc.

De alguna manera, y en buena medida gracias a la producción de Buckingham, estos temas no sonaban fuera de lugar junto a las canciones "místicas" de stevie nicks (angel, sara, sisters of the moon), y los himnos pop al amor (never forget, think about me, honey hi) de McVie, ya que muchos de estos temas tenían en común el gran trabajo de guitarra de Buckingham, así como obviamente la solidez de la base rítmica proveída por Mick Fleetwood Y John McVie.

Sin embargo, no puedo dejar de quedare con la impresión que estoy escuchando un disco de 3 bandas distintas. Muchas veces he escuchado que por la diversidad del disco y por el hecho de que ambos eran discos dobles, se le ha comparado con el "White album" de los Beatles. Pero es injusto para cualquier banda ser comparada con los Beatles, así que lo dejaré allí.

Los temas de buckingham fueron principalmente grabados en su garaje, mientras el resto de temas en estudio. Sin embargo, se mencionó en su momento que este disco costó alrededor de un millón de dolares en su producción, algo exhorbitante para ese entonces.

El primer single elegido para la promoción del disco fue el tema "Tusk", definitivamente un tema poco probable de sonar como un single con "gancho" en la radio. Empieza con una sonada de tambores tribales, seguidos de un corillo de voces y gemidos inaudibles, para luego dar paso a la Trojan Marching Band de la Universidad Southern California y todos sus secciones de metales y precusión, grabados en vivo desde el estadio de los Dodgers.

Mas allá de preferencias radiales, un gran tema, y que llegó al top 10 de ventas de singles en USA.

El disco tuvo que ser acompañado por una muy extensa gira mundial que duró mas de un año, lo que sirvió como escenario para adicionales experimentos de Buckingham, rearmando las canciones que en el disco duraban 2-3 minutos y conviertiéndolas en "tours de force" de 8-10 minutos.

El disco doble, era caro para la época, y obviamente no llegó a las ventas del Rumours. Tendrá algunas indulgencias, pero queda como legado imborrable de una banda comprometida con sus principios y que no tenía miedo al fracaso o a seguir sus inquietudes artísticas.

En el año 2006, este disco fue remasterizado y viene acompañado de otro disco lleno de tomas alternas y diferentes mixes, pero eso ya no me compete comentar aqui. Espero esto les haya sido de utilidad y será un placer para mi poder recibir sus comentarios.